Por: Lucas Pelisser

El Punto

Desde el punto de vista científico, el punto representa un concepto abstracto que indica con precisión exacta la ubicación de un encuentro, intersección, etc.
En sentido gráfico, el punto es una superficie materializada, es decir reconocible por el ojo humano; es la unidad gráfica mas pequeña, el «átomo».

Es la unidad más simple, irreductiblemente mínima, de comunicación visual. Es el elemento plástico básico.
No es un ente inmaterial, ocupa una superficie sobre el plano.
Posee sus limites y tensiones internas.
Es tensión en sí mismo, sin dirección.
El punto cumple cuatro funciones tales como:

Elemento Constitutivo

Su tamaño y limites son relativos, pasa a ser parte de la línea y en algunos casos da origen a la textura.

Elemento Aislado

El punto es un elemento de impacto visual y cuando se materializa tiene tamaño,y limites pudiendo tomar infinitas formas.

Elemento Referencial

Sirve de eje de apoyo, referencia o marcador del espacio o del diseño.

Elemento Plástico

El punto se ubica en las artes, en el contenido de la forma y en la forma misma.

La linea

Se encuentra formada por una serie de puntos unidos entre sí, sucesivamente, asimilando la trayectoria de la misma, seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos juntos a ella.
El primer elemento del diseño es línea. Las líneas se pueden utilizar de muchas maneras y según su disposición:

Ayudan a organizar la información.
Pueden dirigir el ojo de sus lectores en cuanto a la organización de la disposición.
Pueden crear humor y el ritmo de un movimiento.

Por ejemplo, las líneas pueden organizar la información y los límites en una página. Las lineas verticales u horizontales se pueden también utilizar para dirigir a los lectores.

Cebras por Victor Vasarely

 

La forma y el trazo

Por su trazo las líneas pueden:
– Transportar un humor o una emoción.
– Organizar un diseño.
– Establecer las columnas del texto.
– Crear una textura.
– Crear el movimiento.
– Definir una forma.
– Llamar la atención sobre una palabra.
– Conectar trozos de información en su disposición.
– Capitular una imagen o una palabra.

El Plano

La línea describe un contorno al cerrarse y unirse con su origen. Hay una delimitación de dos zonas, una acotada (Figura) y otra infinita (Fondo). Del universo de los contornos posibles hay 3 básicos que pertenecen a la geometría: el cuadrado (Horizontal y vertical), el triangulo equilátero (Oblicuas) y el circulo (Curva), y a partir de aquí la variación es infinita.

Por lo tanto un plano es un área de diseño en un espacio ininterrumpido, definido por bordes.

La Forma

La forma de los objetos y cosas, comunican ideas por ellos mismos, llaman la atención del receptor dependiendo de la forma elegida. Es un elemento esencial para un buen diseño.

Forma es cualquier elemento que utilicemos para dar o determinar la forma.

Un ejemplo marcado por una forma sería el de una compañía internacional que utilice un círculo en su insignia sugiriendo la tierra.

Las formas inusuales atraen la atención porque inducen a la gente a ver formas regulares de las imágenes.
Disposición de las formas.

 

Hay tres maneras de que la forma realce su disposición. Primero, la forma ayuda a sostener interés del lector. Las formas se pueden utilizar para romper hacia arriba una página que contenga mucho texto. En segundo lugar, la forma se utiliza para organizar y para separarse. Una parte del texto se puede poner en una forma con un fondo colorido y agregará variedad a la página. Podemos utilizar la forma para conducir el ojo del lector con el diseño.

Según las disposiciones, el ojo busca un lugar para comenzar y seguir con el diseño al extremo. La forma puede ayudarle a guardar la atención de éste.

Figura

Se pueden clasificar en:
Geométricas: construidas matemáticamente.

 

Orgánicas: rodeadas de curvas libres que sugieren fluidez y desarrollo, nos representan a organismos naturales existentes

Nacimiento del Mundo (J. Miró)

Estáticas.- Son aquellas que parecen reposar o no moverse.
Dinámicas.- Poseen características que transmiten y sugieren inestabilidad o movimiento.

 

Pieta de Miguel Angel

        El cascanueces

El Espacio

Espacio se puede considerar como el cuarto elemento fundamental del diseño.

Definición de espacio: Es la distancia o el área entre o alrededor de las cosas. Cuando se está diseñando, debemos pensar donde vamos a colocar todos los elementos y a que distancia unos de los otros. El tipo de imágenes que colocaremos, la dimensión de éstas, el texto y lo que habrá alrededor de ellas, etc.

Las diferentes tonalidades que emplearan los elementos y las formas, sirven para crear relaciones espaciales y focales, de gran interés para el receptor. Se pueden llegar a conseguir efectos muy variados y especiales dependiendo de como se combinen, estos. Por ejemplo si usamos bastante espacio en blanco, se produce un descanso para el ojo. Si dejamos mucho espacio en blanco alrededor de algun objeto, palabra o imagen, estamos haciendo que destaque del resto de la composición.
Efectos que nos produce el espacio, dentro de nuestro campo visual:

– Al utilizar espacio en blanco en una composición, el ojo descansa.
– Utilizando una pequeña cantidad de espacio creamos lazos entre los elementos.
– Lograremos una mayor profundidad en nuestro diseño si superponemos un elemento con otro.
– Si utilizamos mucho espacio en blanco, alrededor de un objeto, imagen o texto, conseguiremos que sobresalga y destaque del resto de la composición.
– Los grandes márgenes ayudan a seguir un diseño una de forma más fácil.
– Si utilizamos un espaciamiento desigual entre los elementos, crearemos una página dinámica.

Proporción

En toda composición, los elementos que se sitúan en la parte derecha, poseen mayor peso visual, y nos transmiten una sensación de avance. En cambio los que se encuentran en la parte izquierda, nos proporcionan una sensación de ligereza.

Esto también se observa, si lo aplicamos en la parte superior de un documento, posee mayor ligereza visual, mientras que los elementos que coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán mayor peso visual.

Actualmente no existe una composición perfecta. Cada composición dependerá de su resultado final, para todo ello, es necesario conocer todos los aspectos y formas para obtener un resultado con un cierto equilibrio.

Las proporciones, la forma, el tamaño.

También existe las formas, las angulares y alargadas amplían el campo de visión, mientras que formas angulares cortas, nos transmiten la sensación de timidez y humildad.

Las formas redondas (modelo curvilíneo y rectangular), la proporción y la simetría, suelen combinarse, las formas en sus variantes también son simétricas. Estas formas crean armonía, suavidad y perfección. Por ejemplo las formas simples y regulares son las que se perciben y recuerdan con mayor facilidad. Las formas simétricas, en el mundo de la naturaleza, un ejemplo del orden geométrico sobre la formación de sus estructuras vivientes.

El tamaño de un elemento, en relación al resto, también presenta diferentes definiciones. Las formas grandes, anchas o altas, se perciben cómo, más fuertes, pero las más pequeñas, finas o cortas, simbolizan la debilidad y delicadeza.

La Escala

Decimos que existe una escala cuando se da una relación matemática (proporción) entre las dimensiones de distintos elementos. Una escala, por tanto, se puede representar mediante un número o una fórmula.

La escala normalmente se usa en cartografía, planos, mapas… para poder representar una medida proporcional al tamaño real. Es cuando citamos, por ejemplo, este plano está en escala 1:10. Este concepto hace referencia a que, para realizar el plano, se ha aplicado un factor de reducción determinado (en este caso, dividir por diez), para poderlo dibujar en un lugar más pequeño, sin que pierda sus proporciones.

¿Qué es la Composición?

Componer en las Artes Plásticas consiste en distribuir y ordenar intencionadamente los elementos de la plástica (líneas, colores, formas y texturas).

   
La composición va unida a toda labor creativa. Así, desde el arte primitivo hasta nuestros días, conceptos ligados a la composición como el ritmo, el equilibrio o la simetría, han tenido gran importancia en la obra artística de la humanidad.

Estructuras Compositivas

Las estructuras compositivas son una serie de formas simples y líneas imaginarias que enmarcan los elementos de una imagen.
El artista es consciente de estas formas elementales desde el momento que concibe la obra, y las usa para componer de manera estructurada los objetos que pretende representar, además de establecer los recorridos visuales de la imagen.
El espectador, por su parte, puede imaginar estas formas y líneas al recorrer visualmente la imagen.
Las estructuras cerradas son formas geométricas sencillas (triángulo, cuadrado, círculo, elipse…)

Boticcelli

Las estructuras abiertas son líneas de dirección curvas o rectas (en «c» en «L», en «x» ), diagonales, horizontales o verticales.

Rivera                                    Kandinski                               Whistler

Planos Compositivos:

Los planos de composición son una estructuración del espacio en distintas capas de profundidad, de modo que los distintos elementos de una imagen se disponen creando la ilusión de que existen tres dimensiones en la superficie plana de la imagen.

En las obras figurativas la estructuración en planos busca imitar a la realidad (superposición)

Velázquez

Pero incluso en algunas obras abstractas se puede apreciar este modo de componer por planos.

Rodchenko

Ritmo Visual

El ritmo visual es la repetición intencionada de elementos de la plástica (punto, líneas, formas, colores, texturas…) a lo largo de la superficie de la imagen.
El ritmo visual, como el musical es un acontecimiento que atrae desde siempre al Hombre. Tras observarlo y apreciarlo en multitud de ejemplos en la naturaleza, los ha adaptado a su modo de expresión y a sus producciones artesanales, artísticas e industriales.

 

Equilibrio Visual

El equilibrio visual se busca con el fin de proporcionar a la obra un aspecto que trasmita una sensación placentera a quien la contempla.
El concepto de equilibrio visual se puede explicar de modo similar al equilibro físico del que todos tenemos alguna experiencia.
En una obra de arte equilibrada unos elementos se compensan con otros, como si de una balanza se tratase, de tal manera que resulta agradable realizar un recorrido visual por ella.
Existen dos modos generales de crear equilibrios: los estáticos, cuyo mejor ejemplo son las simetrías; y los dinámicos, mucho más variados y que usan los llamados centros de interés para estructurar en torno a ellos el resto de la imagen.

Equilibrio Estático (Simetrías)

Las simetrías son una manera de componer de manera que, a partir de un elemento generador de esa simetría (punto, recta o rectas), se establecen relaciones entre las partes de una imagen. Si el elemento generador de la simetría es un punto, tenemos una simetría central. Si el elemento generador de la simetría es una recta, tenemos una simetría axial:

Simetría Axial

Si el elemento generador de la simetría es un haz de rectas, tenemos una simetría radial.

Simetría Radial

Estas simetrías se dan en la naturaleza de manera muy común, y el hombre ha aprendido a apreciar la belleza de estos equilibrios visuales perfectos y los ha aplicado desde muy antiguo a sus producciones artísticas.
Las obras de arte que usan las simetrías resultan tener un equilibrio perfecto, pero tiene el inconveniente de resultar estático o rígido y, por tanto algo inexpresivas.

Equilibrio Dinámico

Los equilibrios dinámicos proporcionan a las imágenes mayor movimiento y variedad que las simetrías. El ojo humano percibe un equilibrio basado en la compensación de los llamados «pesos visuales». Las formas de diferentes tamaños y los colores más o menos llamativos se contrarrestan y estabilizan mutuamente.

    

   

El Color

El color, según Sir Isaac Newton, es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una longitud de onda luminosa. El ojo humano interpreta colores diferentes dependiendo de las distancias longitudinales.

El color nos produce muchas sensaciones, sentimientos, diferentes estados de ánimo, nos transmite mensajes, nos expresa valores, situaciones y sin embargo… no existe más allá de nuestra percepción visual.

El color ha sido estudiado, por científicos, físicos, filósofos y artistas. Cada uno en su campo y en estrecho contacto con el fenómeno del color, llegaron a diversas conclusiones, muy coincidentes en algunos aspectos o bien que resultaron muy satisfactorias y como punto de partida para posteriores estudios.

Historia del color: El filósofo Aristóteles (384 – 322 AC) definió que todos los colores se conforman con la mezcla de cuatro colores y además otorgó un un papel fundamental a la incidencia de luz y la sombra sobre los mismos. Estos colores que denominó como básicos eran los de tierra, el fuego, el agua y el cielo.
Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (1452-1519) definió al color como propio de la materia, adelantó un poquito más definiendo la siguiente escala de colores básicos: primero el blanco como el principal ya que permite recibir a todos los demás colores, después en su clasificación seguía amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego y negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos los otros. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los demás, aunque también observó que el verde también surgía de una mezcla.

Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del sol al pasar a través de un prisma, se dividía en varios colores conformando un espectro.
Johann Göethe (1749-1832) estudió y provó las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la exposición a los diferentes colores.

Para Göethe era muy importante comprender la reacción humana a los colores, y su investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un triángulo con tres colores primarios rojo, amarillo y azul. Tuvo en cuenta que este triángulo como un diagrama de la mente humana y relacionó a cada color con ciertas emociones.
Teoría del color. ¿Qué es el color?: El mundo es de colores, donde hay luz, hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.

El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.

Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra «COLOR».
Propiedades del color.

Las definimos como el tono, saturación, brillo.

Tono (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.

Saturación:(saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color Valor (value) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

Brillo (brightness) es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Luminosidad (lightness) es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.
Colores primarios, generalidades: La problemática del Color y su estudio, es muy amplia, pudiendo ser abordada desde el campo de la física, la percepción fisiológica y psicológica, la significación cultural, el arte, la industria etc. El conocimiento que tenemos y hemos adquirido sobre Color en la escuela elemental, hace referencia al color pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura que consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al rojo, el amarillo y el azul. En realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.

Círculo cromático: El ojo humano distingue unos 10.000 colores. Se emplean, también sus tres dimensiones físicas: saturación, brillantez y tono, para poder experimentar la percepción.
Formación de los colores complementarios: Los colores complementarios se forman mezclando un color primario con el secundario opuesto en el triángulo del color. Son colores opuestos aquellos que se equilibran e intensifican mutuamente.
Gama y combinación.
Los colores complementarios son los que proporcionan mayores contrastes en el gráfico de colores.

Para obtener una gama de verdes: Los verdes se obtienen mediante la mezcla de azul y amarillo, variando los porcentajes, se obtienen diferentes resultados.

Crear una gama de azules: Los colores más oscuros se logran mediante una combinación de púrpura y azul. El color púrpura tiñe con intensidad y su mezcla se debe dosificar bien.

Obtener una gama de rojos anaranjados: Mezclando púrpura y amarillo obtendremos diferentes tonos anaranjados.

Obtención de una gama de ocres y tierras: A partir de un violeta medio, que crea a partir de un púrpura y azul, es posible conseguir una extensa gama de colores compendidos entre el ocre amarillo y el sombra tostada, llegando a sienas. Para conseguir esta combinación es preciso añadir amarillo a los distintos violetas que se han creado con los otros dos primarios.
Definición de colores cálidos y fríos: Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas.

Formas básicas que componen el color: Ningún color puede ser considerado un valor absoluto, de hecho los colores se influyen mutuamente si se acercan. Los colores tienen diferente realce según el contexto en el que se dispongan o se encuentren.

Existen dos formas compositivas del color, armonía y contraste.

Armonía del color

Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.

En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación.

Dominante: Es el mas neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.

El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el mas potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina , etc.)

El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el circulo cromático cercano a la de color tónico.

Por ejemplo: en una composición armónica cuyo color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el tónico, el mediador puede ser el rojo si la sensación que queremos transmitir sea de calidez, o un azul si queremos que sea mas bien fría

El contraste

El Contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común no guardan ninguna similitud.

Existen diferentes tipos de contraste:

De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.

Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro,observándose la proporción de cada uno

Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).

Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilizemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.

Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.

Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el tríangulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.

Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.

Efectos del color: El tamaño: Tamaño: El círculo central parece más pequeño si está rodeado de círculos de mayor tamaño y más grande si por el contrario .
Transparencia, peso y masa

Transparencia: Se visualiza el efecto de transparencia por la aparente mezcla de tonos.

Peso y masa del Color: El color actúa por gravitación y extensión de una superficie cromática. Los tonos fríos y claros parecen más livianos y menos sustanciales, los cálidos y oscuros parecen más pesados y densos.
Colores que avanzan o retroceden.

Los colores fríos avanzan si son más luminosos que los cálidos en su entorno neutro.

Escalas de los colores: El blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, colores sin color. Psicológicamente son colores dado que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores en cuanto a pigmento, el blanco sería considerado un color primario, ya que no puede obtenerse a partir de ninguna mezcla.

El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Y en cuanto color sería considerado un secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros.

Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas
Cromática: Los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad.

Acromática: Será siempre una escala de grises, una modulación continua del blanco al negro. La escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la comparación con la escala de grises (escala test), se pone de relieve las diferentes posiciones que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad.
Gamas de colores.

Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un color puro hacia el blanco o el negro, una serie contínua de colores cálidos o fríos y una sucesión de diversos colores.

Autor: Lucas Pelissero Derechos Reservados 2001.

Posted 20th September 2011 by geka