
Wir Zeichnen den Menschen. Un libro indispensable para el dibujo de animales

Wir Zeichnen den Menschen. Un libro indispensable para el dibujo de animales

Queremos compartir nuestra satisfacción con el Aula virtual que ya ha cumplido un mes de vida y con resultados muy buenos tanto en la academia Online como el apoyo teórico audiovisual que están siguiendo y compartiendo alumn@s y amig@s de la escuela, lo marca un hito en lo que se refiere a difusión cultural por parte nuestra y no sería posible gracias a ustedes y a la tecnología.
Hoy presentamos al cuarto y último invitado, Tiziano (1476-1576), maestro de la forma abierta quien cierra el ciclo: Pilares del Arte Moderno.
Desde el Aula virtual les invitamos a disfrutar de este video, nuestro siguiente invitado es:
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Acerca de este sonido [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin] (?·i) Leiden, 15 de julio de 1606-Ámsterdam, 4 de octubre de 1669), más conocido simplemente como Rembrandt, fue un pintor y grabador neerlandés. La historia del arte lo considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de los Países Bajos.1 Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.
Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas siempre fueron muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores neerlandeses.2 Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos, especialmente, se observa siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.1
Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam.3 Por la empatía con que retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado «uno de los grandes profetas de la civilización».4
Quizá sea de su interés saber lo que contiene esta pintura de mi autoría.
Vincent Van Gogh tenía un tío homónimo, quien era socio de Goupil, el propietario de la mayor galería de arte del siglo XIX con sedes en importantes ciudades europeas y donde se vendían obras de importantes artistas como Bouguereau, Alma Tadema y Mariano Fortuny.
A la vez, las galerías Goupil & cie. fueron las primeras que abrieron espacios para la difusión comercial de los impresionistas.
El tío Van Gogh era propietario de la sede de la galería Goupil en Amsterdam y contaba con buena participación económica en las sedes de Londres y París.
Van Gogh, el pintor, trabajó en su juventud en la ya mencionada galería pero fue cesado a los 7 años debido a que hacía negocios malísimos. Dentro de esos negocios a pérdida logró, con ayuda de Gerome – otro socio de Goupil & Cie-, la elaboración y publicación de la que hasta hoy es la cartilla de dibujo de mayor uso entre los pintores academicistas y realistas. Hablo de la cartilla de Dibujo de Jean Leon Gerome y Charles Bargue. La inversión era demasiado alta y el retorno era lentísimo pero muchos aun aprendemos de ese utilísimo texto.
Las orejas que acompañan al cuadro hacen parte de la lámina #44 de la cartilla de Bargue.
Nada de ello permitió al pintor continuar dentro del ejercicio de regir los negocios de la familia, lo cual si sucedió, hasta cierto punto, con su hermano Theo.
Dado que la enfermedad mental del pintor lo hacía excesivamente dadivoso con cualquiera, empezó a considerarse la opción de evitar darle libre acceso al dinero de la familia, de manera que Vincent artista quedó bajo la tutela de su hermano Theo quien, a partir de ese momento, controlaría el «flujo de caja» hacia su extraño hermano.
Es conocido que Theo Van Gogh pagó las deudas de Gauguin y, simultáneamente, consiguió para Vincent una casa grande en una de las zonas costosas del sur de Francia y le procuró, durante 10 años, una cantidad importante de materiales de arte; de esa manera, fue posible producir más de 900 obras. Dado el costo de los lienzos y la cantidad de óleo que gastaba por cuadro más la calidad de óleos usados por Vincent puede suponerse que no es una cantidad despreciable de dinero.
El doctor Gachet era el médico personal de Vincent y los espacios hospitalarios en los que estuvo durante los periodos agudos de su convalecencia no eran de fácil acceso para personas sin mucho dinero.
El continuo rechazo social hacia Vincent se debía, enteramente, a que era una persona insufrible, de aspecto descuidado y de mal olor como testimonian cartas de sus vecinos y comentarios de los impresionistas y si a ello se suma la enfermedad mental y su carácter insufrible vemos que algo de razón tendrían las personas que intentaron expulsarle de la última comunidad en que habitó.
A la muerte de Vincent, sus obras y leyenda fueron difundidas a partir de los canales comerciales de la casa Goupil, y así fue relativamente sencillo aupar una obra plena de virtudes plásticas.
Finalmente, hay un detalle importante y es el debate que alejaba a los pintores impresionistas de la persona de Vincent. Dicho debate nace porque en los cuadros impresionistas los colores estaban seriamente apagados, («Torturados» como dicen los manuales actuales de técnica pictórica; los impresionistas padecían esa característica en sus colores debido a que combinaban por complementarios atendiendo a la teoría de Chevreull (Estoy convencido de que esa teoría es un invento de Satanás para que la gente pinte mal).
Ya por la influencia de los puntillistas, o por la profunda admiración de Vincent hacia los pintores tardoflamencos, su conclusión era que la combinación debe reducirse al mínimo. Y tenía bastante razón pues las obras de van Gogh aun tienen un color bastante intenso que sólo se ha afectado debido a la incuria química de las industrias de su tiempo.
En conclusión, ese humilde cuadro trata de acercarse a un Van Gogh diferente a su leyenda comercial de rebelde, pobre y antiacadémico.
Esta obra es un divertimento que hice para deleitar cultos, por lo cual espero halla sido de su agrado.
GR

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Fuente: Wikipedia
Fue hijo de Juan Cirlot y María Laporta. Estudió bachillerato con los jesuitas de Barcelona y trabajó en una agencia de aduanas y en el Banco Hispanoamericano. En 1937 fue movilizado para luchar por la República; a comienzos de 1940 fue movilizado otra vez, pero por el bando franquista. Estuvo en Zaragoza hasta 1943; allí frecuentó el círculo intelectual y artístico de la ciudad y se relacionó con el pintor Alfonso Buñuel -hermano de Luis Buñuel. En el verano del 43 regresó a Barcelona para trabajar en el Banco Hispanoamericano y conoce al novelista Benítez de Castro, quien le introdujo en el periodismo como crítico de arte. Trabaja en la librería editorial Argos. Compone música y trata a los artistas del grupo Dau al Set. En 1949 colabora en la revista Dau al Set. En octubre viaja a París y conoce a André Breton en persona. Se edita Igor Stravinsky, su primer ensayo. En 1951 empieza a trabajar en la editorial Gustavo Gili, donde permanecerá hasta su muerte.
Entre 1949 y 1954 conoce y trata al etnólogo y músicologo alemán Marius Schneider en Barcelona; Trabaja con José Gudiol Ricart. En 1954 aparece El ojo en la mitología. Su simbolismo. Entra a formar parte de la Academia del Faro de San Cristóbal. En el año 1958 empieza a escribir colaboraciones en Goya, Papeles de Son Armadans, etc. y aparece su obra más famosa e internacional, el Diccionario de símbolos tradicionales en la editorial Luis Miracle. Siguen unos años de intensa actividad como crítico y conferenciante. En 1962 se publica en inglés su diccionario con el título A Dictionary of Symbols con prólogo de Herbert Read. En 1966 vio la película El señor de la guerra de Franklin J. Schaffner. En 1971 enferma de cáncer de páncreas, es operado y el 11 de mayo de 1973 muere en su casa de la calle Herzegovina de Barcelona. Fue padre de la medievalista y filóloga Victoria Cirlot.
Juan Eduardo Cirlot se adscribió al filo de los cuarenta a la escuela surrealista francesa y al dadaísmo, para asumir luego una tradición espiritualista de muy lontanos horizontes (la Cábala, el sufismo y los estudios orientales) de anhelo universal. De ahí proviene su interés por la simbología, que imbuirá toda su actividad literaria y su importante labor como crítico de arte. Hizo importantes estudios sobre simbología y hermenéutica medieval, reunió una importante colección de espadas y su copiosa y variada producción poética —más de cincuenta libros— se mantuvo alejada e independiente de las corrientes que dominaron la poesía de posguerra a causa de su oscuridad y hermetismo; últimamente, sin embargo, su figura no cesa de revalorizarse a través de continuas revisiones, reediciones, apariciones de obras inéditas y homenajes. Lo más conocido en su obra es la fase de su evolución poética centrada en la actriz Rosemary Forsyth, que encarna a Bronwyn en la película El señor de la guerra (1965) de Franklin J. Schaffner e inspiró la fase permutacional de su poesía.
Cirlot cultivó también el aforismo en su libro Del no mundo (1969), donde puede rastrearse su pensamiento hasta las fuentes de Nietzsche y Lao Tse. En 1986 se publicó el inédito El mundo del objeto a la luz del surrealismo que, escrito en 1953, se adelanta a las corrientes conceptuales de las últimas décadas y que sigue siendo referencia esencial para profesores y estudiosos del universo del objeto artístico. En 1988 se publica 88 sueños, colección completa de los sueños transcritos por Cirlot publicada parcialmente en la revista catalana Dau al Set y que muestran a las claras la importancia que para su formación tuvo el sello del surrealismo.
Como erudito es conocido por su Diccionario de símbolos, que sigue reeditándose con éxito.
Fuente: Classical Painting Atelier, Juliette Aristides
“Diego Velázquez was a master geometrician. He had an extensive library of geometry books, ranging from Euclid´s Elements to Vitruvius´s Ten Books on Architecture to Palladio´s Four Books on Architecture. Velázquez also had a wide assortment of geometry tools, which he used for his compositions. Velázquez had a great spontaneity about his work, yet his essential composition was very much based on his knowledge of harmonic design principles.
In Las Meninas, Velázquez contained all the figures within the horizontal one-half division of the picture plane; the artist´s own head and the frame of the mirror are precisely at that division line. The vertical one-half division runs along the edge of the open door in the background and also frames the right side of the central girl. The horizontal two-thirds division runs through the eyes of the two girls on the left side of the painting and also touches the bottom of the chin and top of the head of the two figures on the far right side of the canvas.
Velázquez made use of both major diagonals. The diagonal that runs from lower right to upper left frames the angle of the one of the main girls – her body and arm literally rest upon the line. This diagonal also sets the top-corner placement of the massive canvas within the paintings itself. The diagonal that runs from lower left to upper right sets the angle of the girl on the far left and also runs through the face of the figure in the mirror. In addition, the diagonal that runs from the lower middle to the upper left encloses the figure of the artist himself, while the adjoining diagonal, which runs from the lower middle to the upper right, sets the angle of the woman in the background. Many artists have been influenced by Velázquez´s compositions. John Singer Sargent bases his remarkable The Daughters of Edward Darley Boit on Las Meninas.”
y los tres libros que sobre el mismo arte escribió Leon Bautista Alberti ; traducidos é ilustrados con algunas notas, por Don Diego Antonio Rejon de Silva.
El tratado de la pintura
por Leonardo de Vinci ; y los tres libros que sobre el mismo arte escribió Leon Bautista Alberti ; traducidos é ilustrados con algunas notas, por Don Diego Antonio Rejon de Silva.
Published 1827 by En la Imprenta Real in Reimpreso en Madrid .
Written in Spanish.
Edition Notes
Genre
Early works to 1800.
The Physical Object
Pagination
[14], xviii, 266 p., [43] leaves of plates :
Number of pages
266
ID Numbers
Open Library
OL22879367M
Internet Archive
eltratadodelapin00leon
OCLC/WorldCat
15615240

Fuente: books.google.es
Estudio sobre la composición en las artes visuales
Ediciones AKAL, 30/08/2001 – 256 páginas
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Fuente: archive.org
Recomendación de Rafael Ramíerez Máro
M.p.l. Bouviers Handbuch der Ölmalerei für Künstler und Kunstfreunde: Nach … (1895)
Author: Pierre Louis Bouvier , Adolf Ehrhardt
Publisher: C.A. Schwetschke undSohn
Year: 1895
Possible copyright status: NOT_IN_COPYRIGHT
Language: German
Digitizing sponsor: Google
Book from the collections of: Harvard University
Collection: americana
Notes: Translation of Manuel des jeunes artistes et amateurs de peinture.
Sigue leyendo BOUVIERS, M.P.L.: Manual de Pintura
Bildnis und Individuum:über den Ursprung der Porträtmalerei in der italienischen Renaissance |
Composición y Ritmo
http://epub.ub.uni-muenchen.de/
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Fuente: Tramas – «La geometría secreta de los pintores«, Charles Bouleau
Botticelli. (1483-85). «El Nacimiento de Venus». (Galería Uffizi, Florencia, Italia)En esta obra Botticelli utiliza la segunda de las relaciones características de Albeti. el doble diatesarón, 9/12/16. Venus sigue la línea oblicua de las cesuras 9 tomadas de arriba de izquierda a derecha. Las líneas que sirven de apoyo a los Vientos y a la Ninfa forman los lados de un triángulo cuya altura es la oblicua de Venus. La posición desequilibrada de este triángulo acentúa el movimiento de traslación.
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Por: Lucas Pelisser
El Punto
Desde el punto de vista científico, el punto representa un concepto abstracto que indica con precisión exacta la ubicación de un encuentro, intersección, etc.
En sentido gráfico, el punto es una superficie materializada, es decir reconocible por el ojo humano; es la unidad gráfica mas pequeña, el «átomo». Sigue leyendo Categorías y técnicas de la composición del arte gráfico-plástico

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Estética de las proporciones en la naturaleza y en las artes [Texto impresso] / Matila C. Ghyka ; traducción de J. Bosch Bousquet
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Main Author: Ghyka, Matila C., (1881-1965)Secondary Author: Bosch Bousquet, J.Edition: 3.ª edPublication: Barcelona : Poseidon, 1983Description: 298 p. : il., pb ; 21 cmISBN: 8485083067Linked with: Esthètique des proportions dans la nature et dans les artsSubject – Topical Name: Estética | Architecture – Aesthetics | Proporção (Arte) | Aesthetics | Arquitectura – Estética | Proportion (Art)CBC: N61.G4918 1983Online Resources: Capa
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