Comenzamos el nuevo proyecto de conferencias virtuales, donde abordaremos los grandes temas de la historia del arte, de la mano de artistas DV, historiadores del arte, galeristas y artistas amigos.
Aproximación histórica, principales artistas representantes y la teoría realista de Adolfo Couve.
2020 DV PRODUCCIONES
Ciclo de conferencias de historia del arte DV Madrid
“El realismo y su análisis”
Creado y presentado por Oscar Villalón
Madrid, 18 de julio de 2020 18:00
Joseph Solomon RA (16 September 1860 – 27 July 1927) was a British painter, a founding member of the New English Art Club and member of the Royal Academy.
Solomon’s family was Jewish, and his sister, Lily Delissa Joseph (née Solomon), was also a painter. He made an important contribution to the development of camouflage in the First World War, working in particular on tree observation posts and arguing tirelessly for camouflage netting.
Born in London in 1860, Solomon studied at various art schools, sequentially, Heatherley School of Fine Art, the Royal Academy Schools, the Munich Academy, and École des Beaux-Arts (under Alexandre Cabanel). Solomon also studied separately under Rev. S. Singer.[3][4] He exhibited his first works as early as 1881, and showed at the Royal Academy, the New Gallery, and the Society of British Artists.[3] In 1886, he became one of the founding members of the New English Art Club. In 1896, he became an associate of the Royal Academy, with full membership following in 1906, one of the few Jewish painters to do so.[3][5] He joined, and became president of, the Royal Society of British Artists in 1919.
Samson (1887)
Solomon’s painting was grounded in his influence from his teacher Alexandre Cabanel, but was also influenced by Frederic Leighton and Lawrence Alma-Tadema. Solomon painted mainly portraits to earn a living, but also painted dramatic, theatrical scenes from mythology and the bible on large canvasses. These scenes include some of his more popular paintings. One of Solomon’s most popular works was Samson (1887), depicting a scene from the biblical story of Samson and Delilah. This painting was praised for its use of multiple male nudes in active poses. Samson is one of few Solomon paintings on regular display, at the Walker Art Gallery in Liverpool. Some other Solomon paintings that have received significant attention include Ajax and Cassandra (1886, illustration, right) and The Birth of Love (1896).
Solomon became well known as an innovative portrait artist by the time he painted Mrs Patrick Campbell as ‘Paula Tanqueray’ (1894), her role in Arthur Wing Pinero’s The Second Mrs Tanqueray, and went on to paint a number of portraits of well-known people, including the architect Sir Aston Webb, and later in life, the royals King George V, Queen Mary, and Prince Edward (later King Edward VIII). Solomon was also in demand as a book illustrator, particularly adventure books. In 1914, Solomon authored The Practice of Oil Painting and Drawing.
A British Mark I tank with the Solomon camouflage scheme
During World War I, Solomon was a pioneer of camouflage techniques. Having originally signed-up at the start of the war as a private in the United Art Rifles, a home defence corps, he promoted his ideas on camouflage, initially in the press and then directly to senior army officers.
In December 1915, General Herbert Plumer arranged for Solomon to visit the front lines and investigate techniques in use by the French. His ideas were accepted, and he was asked to set up a team to start the production of camouflage materials in France. On 31 December 1915, General Haig, Commander-in-chief of the British forces in France, instructed that Solomon be given the temporary rank of Lieutenant-Colonel to enable him to carry out his new duties.
The new unit’s first task was the design of armoured observation posts disguised as trees, following the pioneering work of the French Section de Camouflage led by Lucien-Victor Guirand de Scévola. The first British tree observation post was put up on 22 March 1916. Solomon was effective at the artistic and technical tasks of designing trees and nets, but not as a commander. He was replaced in March 1916, instead becoming a technical advisor, a role that suited him better. In May 1916, he was sent to England to help develop tank camouflage. Solomon doubted that tanks could be effectively camouflaged since they cast a large shadow. Instead, he argued for the use of camouflage netting, with which he gradually became obsessed, claiming that the Germans were hiding huge armies under immense nets. Camouflage netting was at first considered unimportant by the army; it was not manufactured in large quantities until 1917. Eventually, in 1920, he published a book, Strategic Camouflage, arguing this case, to critical derision in England but with some support from German newspapers.
In December 1916, Solomon established a camouflage school in Hyde Park[13] which was eventually taken over by the army.
Solomon’s daughter, Iris, was married to Ewen Montagu, one of the «brains» behind Operation Mincemeat in World War Two.
Solomon was an uncle of the American playwright Moss Hart.
Alexandre Cabanel
Alexandre Cabanel (Montpellier 28 de septiembre de 1823 – París 23 de enero de 1889). Pintor francés.
Alumno de François-Édouard Picot en la École des Beaux-Arts, ganó una segunda medalla en el Salón de Roma en 1845 y residió durante cinco años en la Villa Médicis. La fama le llegó con su lienzo Naissance de Vénus (el nacimiento de Venus), que fue adquirido por el emperador Napoleón III en 1863. Ese mismo año, fue nombrado profesor en la École des Beaux-Arts y fue elegido miembro de la Académie des Beaux-Arts. Entre 1868 y 1888, fue en 17 ocasiones miembro del jurado del Salón de París, en el cual le fue concedida la medalla de honor en 1865, 1867 y 1878.
Pintor de historia, de género y retratista, su obra evolucionó con los años hacia temas románticos, tales como Albaydé, inspirado en un poema de Orientales de Victor Hugo. Su obra fue especialmente conocida y reclamada por los coleccionistas internacionales y por las instituciones, y fue uno de los artistas preferidos de los emperadores Napoleón III y Eugenia de Montijo. Artista contrario al Naturalismo y al Impresionismo, y en particular enemigo de Édouard Manet, fue criticado a su vez por Émile Zola y los naturalistas, así como por todos aquellos que defendían la emergencia de un arte menos galante y más social y exigente.
Alexandre Cabanel fue un importante maestro, y tuvo como alumnos, entre otros, a Jean-Joseph Benjamin-Constant, Albert Besnard, Vlaho Bukovac, Charles Bulteau, Gaston Bussière, Louis Capdevielle, Eugène Carrière, Fernand Cormon, Pierre Auguste Cot, Édouard Debat-Ponsan, Émile Friant, Pierre Fritel, François Guiguet, Jules Bastien Lepage, François Flameng, Charles Fouqueray, Henri Gervex, Simó Gómez, Charles Lucien Léandre, Henri Le Sidaner, Aristide Maillol, Édouard-Antoine Marsal, Fernand Pelez de Cordova, Henri Regnault, Louis Royer, Jean-Jacques Scherrer, Joseph-Noël Sylvestre, Paul Tavernier, Étienne Terrus, Adolphe Willette, Edmond Borchard, Rodolfo Amoedo yAlmeida Júnior.
La Naissance de Vénus [El nacimiento de Venus]
El Nacimiento de Venus fue uno de los grandes éxitos del Salón de 1863 donde fue adquirido por Napoleón III, para su colección personal. Cabanel, pintor colmado de recompensas, desempeña entonces un gran papel en la enseñanza de Bellas Artes y en la dirección del Salón. Su virtuoso dominio de la técnica hace que esta pintura sea un ejemplo perfecto del arte que gustaba entonces, tanto al público como a las instancias oficiales. En el espíritu ecléctico del Segundo Imperio, aquí mezcla las referencias a Ingres y a la pintura del siglo XVIII.
Cabanel reutiliza un famoso episodio de la mitología de la Antigüedad: Venus, al nacer, fue depositada en una playa por la espuma del mar. Este tema, que tuvo mucho éxito en el siglo XIX, proporciona a algunos artistas la oportunidad de abarcar el erotismo, sin chocar al público, gracias a la coartada de un tema clásico. Para Cabanel, la mitología sirve, en efecto, de pretexto para abarcar el desnudo, cuya idealización no excluye la lascividad. Emile Zola denuncia la ambigüedad de esta representación: “La diosa, ahogada en un río de leche, parece una deliciosa ramera, no en carne y hueso – esto parecería indecente – sino en una especie de mazapán blanco y rosa». El escritor denuncia el uso de una gama de colores pálida, lisa y nacarada.
El mismo año, la Olympia de Edouard Manet provoca un escándalo. El tema de ambos lienzos es idéntico: una mujer desnuda tumbada. Pero la tranquila confianza con la que el personaje de Manet fija al espectador parece mucho más provocadora que la lánguida pose de la Venus de Cabanel.
Obras
Gérôme fue uno de los pintores más célebres de su época, aunque eso no le libró de ser objeto de críticas y polémicas durante toda su carrera. Su popularidad trascendió las fronteras de Francia gracias a la forma en la que aprovechó la fotografía, además de para componer algunos de sus cuadros, para «vender» su obra, lo que lo convirtió a partir de la década de 1870 en uno de los artistas más admirados en Estados Unidos.
Así, desde 1859 y a petición de su marchante y editor, Adolphe Goupil -que más tarde se convertiría en su suegro-, usó reproducciones fotográficas y estampas para divulgar su obra.
El artista, que se formó en el taller de Paul Delaroche, donde ingresó a los 16 años, poseía una absoluta precisión en el dibujo y una gran maestría en el uso de los pigmentos, pero no se limitó sólo a plasmar los temas de la Antigüedad clásica y de Oriente o de la historia de Francia, que le fascinaban, como el resto de los románticos.
Detrás de la forma en la que se enfrentaba a sus composiciones había una amplia labor de documentación a lo largo de sus viajes a Italia, Turquía o Egipto. En sus obras se imponía su impulso racionalista de dar una información veraz y utilizaba la fotografía para elaborar figuras, escenas o paisajes y se basaba rigurosamente en las investigaciones científicas y arqueológicas de la época.
Además, impuso una novedosa concepción de la esceneografía, adelantándose en el tiempo e inspirando escenas de las grandes producciones cinematográficas de temática histórica de realizadores como Cecil B. DeMille o Mervyn LeRoy, sobre todo las basadas en la Roma clásica. En esta influencia en los realizadores de las primeras superproducciones tuvo que ver la gran difusión de su obra en Estados Unidos.
En suma, Jean-Léon Gérôme supo combinar en su obra una identidad científica con otra popular, basándose en temas anecdóticos que le garantizaban el éxito entre el público, y esto lo que hoy en día también hace tan valiosa su obra para los historiadores del arte y el público en general.
Cuando ingresó en el taller de Delaroche y donde quedaría bajo la influencia directa de Jean-Dominque Ingres, junto con el primero los grandes defensores de la tradición academicista en la que se enmarca la primera parte de la obra de Gérôme.
En estos inicios, el pintor francés cultivó tanto el género de la pintura histórica como el del retrato, y con el cuadro Pelea de gallos (1846), que se presentó en el Salón de 1847 y que le hizo ganar una medalla de tercera clase, se convirtió en el jefe de filas de la nueva escuela de los neogriegos. A partir de entonces comenzó a recibir sus primeros encargos oficiales.
Su interés por la Antigüedad clásica, unido a su deseo de plasmar la veracidad arqueológica, le sirvió de pretexto para hacer representaciones costumbristas y sentimentales que ponen en escena una Antigüedad humanizada, intimista y casi trivial.
Ese interés por lo verídico, el realismo de la anécdota y el afán por el detalle propios de su arte, le acompañarán a lo largo de toda su producción, tanto en los temas históricos y mitológicos como en los de temática oriental. Así, el Oriente que plasma no es el imaginado por la generación anterior, sino el documentado mediante los bocetos realizados por sus viajes por Oriente Próximo y por las fotografías tomadas por sus compañeros de viaje.
La pintura de historia y los tres grandes temas que abordó: la Roma antigua, las escenas napoleónicas y las del reinado de Luis XIV. Pero a ellos les imprime un carácter especial; en lugar de centrarse en el hecho culminante del momento histórico, el artista francés prefiere representar en sus cuadros la anécdota, la escena inmediatamente anterior o posterior.
Esto le da a sus cuadros un carácter marcadamente narrativo enfatizado por el sentido teatral de la composición y por una concepción de la escena prácticamente cinematográfica. De hecho, sus representaciones de la civilización romana y el culto al detalle arqueológico exacto sirvieron de referencia a grandes películas y ejemplo de ello es que cintas como Quo Vadis (1951), de Mervyn LeRoy, o Ben-Hur, de William Wyler, muestran escenas con un paralelismo evidente con óleos como La muerte de César (1867) o Pollice Verso (1972).
El afán por el detalle y por la verdad arqueológica que presidió toda su vida alcanza en su obra escultórica y pictórica de esos años el ilusionismo y el trampantojo llevados casi hasta la obsesión y se convirtió en el centro de los debates de la época.
