Comenzamos el nuevo proyecto de conferencias virtuales, donde abordaremos los grandes temas de la historia del arte, de la mano de artistas DV, historiadores del arte, galeristas y artistas amigos.
Aproximación histórica, principales artistas representantes y la teoría realista de Adolfo Couve.
2020 DV PRODUCCIONES
Ciclo de conferencias de historia del arte DV Madrid
“El realismo y su análisis”
Creado y presentado por Oscar Villalón
Madrid, 18 de julio de 2020 18:00
Durante siete semanas hemos estado desarrollando el ciclo de los Pilares del Arte Moderno en donde se ha hecho una descripción detallada del aporte que hicieron a la evolución de la pintura Velázquez, Rembrandt, Rafael y Tiziano, la influencia de Caravaggio en lo dos primeros, el peso de la escuela de Florencia iluminada por Lorenzo el Magnifico y su herencia en la escuela de Venecia y la de Roma que serían las vertientes mas importantes desde el renacimiento al presente en el desarrollo de las artes plásticas.
Durante las próximas semanas seguiremos estudiando a cada autor desde el prisma de una de sus obras mas destacadas con el análisis del maestro, escritor y pintor Adolfo Couve y con Velázquez además el filosofo post-modernista Michel Foucault, por eso es importante un repaso de los videos mencionados para quien los haya visto y por supuesto para quienes no han tenido la oportunidad.
El listado es el siguiente:
Agregamos además:
https://www.youtube.com/watch?
Cosimo de Medici lo sabia, quien construyera el Duomo (Cúpula) de la catedral de Florencia sellaría su poder en Italia, gozaría de la inmortalidad y su influencia sería perpetua.
La cúpula de la catedral de Florencia, la obra maestra de la arquitectura del Renacimiento, es uno de los mayores hitos de la ingeniería de todos los tiempos. Construida hace 600 años por Filippo Brunelleschi presenta una técnica de construcción tan ingeniosa e innovadora que hoy día sigue sorprendiendo.
Esperamos que disfruten del panorama cultural!
La dinastía Médici llegaría a su máximo esplendor a través del nieto de Cosimo, Lorenzo, llamado El Magnífico, su aporte a la humanidad lo convertiría en una pieza clave para el Renacimiento, fue el mecenas por excelencia, se rodeó de los artistas e intelectuales más grandes de todos los tiempos, gran diplomático, hábil banquero, sobrevivió los ataques de sus enemigos, incluido el Papa en la Conspiración de los Pazzi, un cobarde intento de asesinato que casi acaba con Lorenzo siendo asesinado su hermano Giuliano, sus partidarios se vengan de forma inmediata de aquellos que están en contra de la familia Médici. Con su refuerzo en el poder, Lorenzo se entrega a la revolución creativa concebida por su abuelo. Algunos de los genios más importantes, que el mundo jamás ha conocido, florecen bajo el poder de Lorenzo: Miguel Ángel, Botticelli, Leonardo Da Vinci entre otros. Florencia se declara capital cultural del mundo. Pero aparece un contragolpe, un joven monje llamado Savonarola carga públicamente contra la decadencia y maldad de la ciudad. Cuando Lorenzo muere en 1492, su familia es conducida fuera de la ciudad y Savonarola lleva a Florencia hacia la furia de la purificación fundamentalista. Obras de arte de incalculable valor como cuadros, libros, esculturas, ciencia, filosofía, etc, fueron destruidas en la ahora infame “hoguera de las vanidades”, la historía le recordará por este abominable acto pero a Lorenzo se le recordará por haber sido, El Magnífico.
Gracias Claudita
Este documental describe el origen y ascenso del patriarca de esta familia, Cosimo de’ Medici (Cosme en español) y su época. Su padre Giovanni de’ Medici inicia la dinastia creando una fortuma de incalculabe valor a través del negocio bancario llegando a ser el más grande del mundo hasta entonces, reyes, príncipes y papas eran sus clientes estableciendo su imperio económico en el corazón de la República de Florencia llevando a esta ciudad a la cima cultural dejando el mayor legado de la arquitectura occidental desde tiempos remotos, nacería una explosión de aprendizaje clásico y pensamiento creativo. Florencia florece como una nueva Roma.
Queremos compartir nuestra satisfacción con el Aula virtual que ya ha cumplido un mes de vida y con resultados muy buenos tanto en la academia Online como el apoyo teórico audiovisual que están siguiendo y compartiendo alumn@s y amig@s de la escuela, lo marca un hito en lo que se refiere a difusión cultural por parte nuestra y no sería posible gracias a ustedes y a la tecnología.
Hoy presentamos al cuarto y último invitado, Tiziano (1476-1576), maestro de la forma abierta quien cierra el ciclo: Pilares del Arte Moderno.
Un nuevo episodio del ciclo: Pilares del Arte Moderno, ya conocemos a dos: Rembrandt (claroscuro) y Velázquez (color-valor) como la influencia de el Caravaggio sobre la obra de ambos.
Nuestro tercer invitado es el máximo exponente de la escuela de Roma, Rafael di Sancio (Urbino, Italia 1483-1520 Roma, Italia), este artista llevaría a su máxima expresión la Forma cerrada: Se define así a la composición en que todos los elementos tienen su contorno definido por una línea ininterrumpida en todo su perímetro que la separa perfectamente del fondo.
Su genio apoyado de una técnica perfecta heredera de la Roma clásica más la fuerte influencia de la escuela de Florencia elevó a este artista a lo mas alto del Renacimiento y de la historia del arte aportando e influyendo a generaciones de artistas como en el Barroco a Caravaggio o a Ingres en el Neoclasicismo 250 años después de su muerte.
Este documental sobre Diego Velázquez, se presenta al artista constantemente en busca de una verdad humana, este documental se propone descubrir la singularidad del «pintor de pintores» y revolución artística y estética que Diego Velázquez causó en un viaje de investigación. El narrador es un joven de veinte años, Marco, estudiante de cine. Su voz y sus impresiones de la obra de Velázquez constituyen el eje central, que no se centran en la película camino demasiado lineal a través de la obra del maestro español del siglo XVII
Francia
Documental muy interesante para aficionados del arte
http://www.encausticcuni.com/
Un estudio químico de los aglutinantes utilizados en pinturas romanas ha permitido desarrollar un nuevo procedimiento pictórico, a base de cera de abejas soluble en agua de propiedades extraordinarias. Las técnicas analizadas eran las de la encaustica. En 1962 Cuní desarrolló la formulación de una encáustica al agua a base de cera de abejas y jabón, experimentando su extraordinaria calidad y su capacidad para reproducir con fidelidad los rasgos de ejecución característicos de la pintura mural romana. A lo largo de ese año fue fijando las proporciones y materiales de su formulación, que constituyeron la base de la evolución posterior de su encáustica al agua.
A partir de estas y de otras investigaciones posteriores hoy puede usarse esta técnica con importantes avances sobre la primitiva encáustica y sobre otras técnicas pictóricas.
PICASSO DOCUMENTAL. THE POWER OF ART***
Documentary series in which historian Simon Schama recounts the high drama in the making of eight artistic masterpieces. He tells the story of Picasso’s epic Guernica, looking at both the Nazi bombing massacre that inspired the painting and Picasso’s extraordinary artistic response.
The film combines Schama’s trademark sassy storytelling with dramatisation to ask what art can do in the face of atrocity.
La propia historia del Guernica nos habla mucho sobre la Historia reciente de España, desde la Guerra Civil hasta la Transición. En julio de 1936 se declara la Guerra Civil española, y Pablo Picasso participaría a favor del Gobierno de la República. Por instancias de Josep Renau, el por entonces Director General de Bellas Artes, Picasso es nombrado en septiembre de 1936 director del Museo del Prado, al menos de forma honorífica, aunque no llegó a tomar posesión del cargo, que mantendría hasta el final de la guerra. Durante esta dirección, de 1936 a 1939, se produjo la evacuación a Francia de los fondos del Prado.
En enero de 1937, el citado Josep Renau formó parte de una delegación española (junto con Luis Lacasa, y los escritores José Bergamín, Max Aub y Juan Larrea) que solicitó a Picasso su participación en la exposición que se celebraría en el pabellón español de la Exposición Internacional de ese mismo año en París. Para ello realizó los aguafuertes Sueño y mentira de Franco, con una edición limitada de 1.000 ejemplares destinados a ser vendidos durante la exposición para beneficio del Gobierno republicano. Pero el encargo principal que le hizo el Gobierno de la República fue la realización de un mural que ocupara el espacio de 11×4 metros del atrio del pabellón, que fianalmente sería el Guernica. En esta exposición participarian tambien varios artistas españoles, entre otros Joan Mirò, con su famoso cartel “Aidez L’Espagne” (Ayuden a España). El Guernica fue trasladado en la segunda quincena de junio, siendo inaugurado el pabellón español el 12 de julio, con mucho más retraso de lo previsto, y expuesto junto con la escultura Fuente de Mercurio, de Alexander Calder.
Aunque Picasso no quiso recibir pago alguno por el Guernica, se conserva una nota firmada por Max Aub, con fecha del 28 de mayo de 1937 y dirigida al embajador español en Francia, en la que refleja las reticencias del artista a aceptar cobrar por dicha obra pero que acreditan el pago de 150.000 francos que recibió Picasso de la República española, una cifra simbólica por su colaboración pero que representaba nueve veces el máximo de lo que cobraba el artista por aquel entonces. Gracias a esta nota como recibo de dicho pago serviría para que el Gobierno español pudiera reclamar mas adelante la propiedad del cuadro.
En 1938, el Guernica formó parte de una exposición itinerante que viajó por varias ciudades europeas como Oslo, Copenhague, Estocolmo y Gotemburgo, y entre 1938 y 1939 a Inglaterra, viajando por Leeds, Liverpool y Mánchester. En Londres fue expuesta con gran éxito en la galería de arte Whitechapel. Tras la Guerra Civil, con la instauración de la dictadura de Francisco Franco, el artista dejó escrita su voluntad de que la pintura no debía ser devuelta a España hasta que no se instaurase de nuevo la República o una democracia similar. Tras la exposición en la Exposición Internacional de Paris, el Guernica fue trasladado al MOMA de Nueva York. Fue tras las elecciones democráticas de 1979 cuando el Gobierno español comenzó a plantearse la posibilidad de recuperar esta pintura tan significativa. La llegada del Guernica a España el 10 de septiembre de 1981 fue recibida como un autentico simbolo de libertad, y un momento clave para el reconocimiento internacional del nuevo régimen monarquico, que se vió fortalecido por esta clase de acontecimientos tras un fallido golpe de estado que tuvo lugar tan solo unos meses antes. El cuadro fue exhibido en el Casón del Buen Retiro (que era y es una extensión del Museo del Prado para alojar su colección de pinturas del siglo XIX), y desde 1992 se encuentra de forma permanente en el Museo de Arte Contemporaneo Reina Sofía de Madrid. Hasta el año 1995 el Guernica fue exhibido con cristal protector por temor a los atentados, aunque el único que ha sufrido ocurrió en 1974 durante su estancia en el MOMA, cuando alguien en un acto de protesta conta la guerra de Vietnam pintó con pintura roja en spray «KILL LIES ALL» en la superficie de la pintura.
La Exposición Internacional fue inaugurada el 24 de mayo de 1937, y hasta finales de abril Picasso no tuvo definida la idea del Guernica. En principio el artista pensaba concebir para el mural una alegoría de la libertad representada por una escena de atelier con un pintor y su modelo, un tema que es recurrente en su obra. Pero el 26 de Abril de 1937 la villa vasca de Guernica fue bombardeada por parte de fuerzas aéreas falangistas integradas por unidades españolas, italianas y alemanas, dirigidas por un comando nazi que de esa manera hacia sus practicas de destrucción masiva que les serviría poco después para provocar el “holocausto” de Europa. Esta noticia también repercutió en Pablo Picasso, que cambió sus ideas iniciales que tenía sobre el mural. Los primeros estudios sobre el Guernica los comenzó a realizar el 1 de Mayo de 1937, una serie de 45 esbozos que realizó antes, durante y después de la ejecución de la obra, que terminó en un periodo de seis semanas, comenzando a trabajar directamente sobre el lienzo el 11 de mayo de 1937. Todos los bocetos están expuestos junto al Guernicaen el Museo Reina Sofía de Madrid.
El inmenso cuadro, un óleo sobre lienzo de dimensiones monumentales, de 3,49 x 7,76 metros, las propias para un mural que fue el centro del atrio del pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. La obra está pintada en blanco y negro con una gran variedad de tonos grises y ciertos detalles azules. Aunque el objetivo de la obra era propagandísticos, para atraer la atención de Europa hacia la causa republicana en plena guerra civil española, no hay ninguna referencia directa a ésta ni a los bombardeos de Guernica que dan título a la obra.
El cuadro recoge nueve figuras y un gran ojo divino con un borde de picos irregulares, y con una bombilla como pupila, pudiendo tratarse de la representación simbólica de Dios; el resto de figuras son: Un caballo, un toro, un niño muerto en brazos de su madre, un guerrero muerto, dos mujeres (mujer del quinqué y mujer arrodillada), un hombre envuelto en llamas y una paloma.
El “ojo-bombilla” se encuentra un poco más a la izquierda del centro del cuadro, en la parte superior, por encima de la cabeza del caballo, y la bombilla puede representar simultáneamente el Sol, a Dios o al avance científico y tecnológico. Es curioso que ese pico del triangulo no esté coronada por este “ojo divino”, y si por una lámpara de aceite, que es el cento triangular del cuadro. Mientras que el ojo es el avance tecnológico (o Dios) la lampara es un elemento arcaico tradicional que da luz a la oscuridad del cuadro, y que podría simbolizar la moral del hombre. Todo esto bien puede significar que el hombre no puede esperar ser iluminado sino por sí mismo y su sabiduria.
El alzamiento de Franco está representado por un caballo, desbocado y enloquecido. Picasso dijo en un principio que esta figura simbolizaba al pueblo, cuando tiempo después comentó que personificaba el horror fascista; un periodista le preguntó el porqué de esta “contradicción”, a lo que el pintor respondió “si representa al pueblo, a una parte de España, la España franquista”. En el cuerpo de éste, del caballo, se puede observar que está cubierto de pequeñas líneas o marcas en vertical; podría tratarse figuradamente de las letras de un periódico, como instrumento de publicidad del movimiento franquista.
La paloma es ya una representación clásica en la obra de Picasso, y más famoso aún es su dibujo de la paloma de la paz, que en este cuadro viene a simbolizar esto mismo, siendo apenas visible por la oscuridad de la escena de la que forma parte del fondo, como apartada, gritando de dolor y como ensartada por una linea blanca que le da un aspecto roto. El guerrero muerto, que está situado en la parte inferior del cuadro, aparece como un cuerpo desmembrado y pisoteado por el caballo, con sus dos brazos extendidos, en uno de los cuales sostiene una espada o un puñal roto y una flor. Puede ser que no se trate de un guerrero y si de un civil, arroyado por una guerra a la que se vió obligado, pero cuyo deseo final es unicamente la paz. Quizás sea otra referencia directa a la guerra civil española, junto conel hombre envuelto en llamas gritando horrorizado junto con su casa ardiendo, que podría representar, sin ser una referencia directa, los bombardeos de Guernica. A la derecha del caballo, que es la figura central del cuadro, se encuentra una mujer arrodillada que podría estar con la pierna herida, quizás corriendo y con expresión de perplejidad, que se ajusta perfectamente visible a la composición en triángulo del cuadro, que comienza con la lámpara de aceite que sujeta la mujer que mira asombrada la escena de horror, sobresaliendo su cabeza por una ventana.
Respecto a la figura simbolica del toro, como apunté anteriormente, tiene un significado muy concreto para el pintor, y en la tela el toro representa a las victimas del horror de la guerra, al pueblo sufriente, quedando claro cuando la cabeza de éste enmarca a la mujer llorando por su hijo muerto, mientras que el cuerpo del animal arropa la trágica escena, dandole protección. La imágen iconográfica de la madre llorando por su hijo fallecido recuerda la clásica representación en el arte religioso de la la “Pietà”.
Su distribución tripartita puede recordar el tradicional tríptico, lo que hace más lógico, por ser más habitual a lo largo de los siglos que el género religioso sea plasmado de esta forma, que la obra que nos ocupa ahora pueda tratarse de un icono divino. En los primeros esbozos del Guernica, la figura que coronaba el pico era una antorcha sujetada por un guerrero, y que simbolizaba la libertad, y el brazo y la antorcha estaban dispuestas en el cuadro como si éste estuviese crucificado, pero finalmente todo ello lo acabó por eliminar. La composición del cuadro, de todas maneras, evita la severidad de un ordenamiento riguroso con claroscuros y contrastes de espacios vacíos y espacios plenos de detalles y dinamismo.
Estos dos episodios cuentan cómo se llevó a cabo el gran robo de todos los tiempos y cómo muchas de esas obras expoliadas han conseguido sobrevivir y volver a manos de sus dueños.
Durante los años 30, hasta que finalizó la guerra, los nazis se dedicaron, entre otras cosas, a robar y apropiarse de las obras más importantes de la historia. Primero, se quedaron con todos los tesoros de las familias judías que eran recluidas en los capos de concentración, y seguidamente, comenzaron a expoliar las obras artísticas de los países que se iban anexionando a la dictadura del III Reich.
http://www.virtualpose.net/
Se trata de archivos tridimensionales con interesantes poses de modelos desnudo. Una tecnología muy útil para tus ejercicios de dibujo de figura humana.
He aquí uno de los más grandes graffiteros, Blublu. Este italiano maestro del street art tiene una galería tan amplia como su talento al momento de realizarlos. Este trabajo llamado «Big bang big boom» es una historia narrada a través del graffiti sobre la evolución y sus consecuencias. Utiliza el stop motion para narrar su punto de vista y su visión tan especial sobre el tema. Es increíble como logra mezclar las paredes y elementos circundantes para transmitir su obra a la vez que objetos simples del entorno. Una verdadera delicia en animación que hasta ahora no paro de sorprenderme con la infinidad de formas que contiene.
BLU VIDEO MUTO
Wolfe von Lenkiewicz (British, b. 1966)
Wolfe von Lenkiewicz’s chief artistic concern is the appropriation of language and mythology. He boldly experiments with hybrid visual combinations that straddle the murky borders of the shocking and offensive. His art historical intervention demonstrates our own complacency of art towards famous images, namely those highly learnt visual compositions of art history. Our knowledge of them has become so much second nature that we take them for granted. It is not until they are disturbed that we realise how much confidence we place in them.
The history of art can be understood as the compromising of changes from one mode of visual representation to another. The difference is the highly contemporary and extreme nature of von Lenkiewicz’s subject matter. September 11th 2001 becomes a stage for giant butterflies, Damien Hirst’s spot paintings merge with the designs of William Morris, and Adam and Eve are expelled from a field of oil derricks. The works demonstrate that no image is sacred and thus the artist is free to disseminate subject matter as they see fit. What is important is distinguishing when such combinations «work». Lenkiewicz has been described as an unbound geneticist-turned-artist, a contemporary iconoclast; allusions he no doubt relishes.
Wolfe von Lenkiewicz: Picasso women series
«El redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros»
Dice Hockney en el libro:
«Cuando salí de la exposición “El genio de Roma” de la Royal Academy en enero de 2001, en la calle me paró un estudiante del Royal Academy Schools. Me preguntó si iba a dar una charla en las escuelas. Le expliqué que sólo estaba en Londres por unos pocos días más, pero le pregunté que pensaba de la exposición. “Abrumadora”, dijo, sin ánimo, como si los cuadros los hubieran pintado míticos semidioses mucho más allá de las habilidades de él. No tenía idea de cómo se habían logrado las pinturas. El conocimiento no había sido trasmitido. Caminé con él hasta la National Gallery, mientras me daba cuenta de que había una acusación a la historia del arte que parecía no afectar a las técnicas de enseñanza. Si la ciencia no transmite su conocimiento al joven que pronto estará en una edad oscura, ¿no es irresponsable? Menciono esto para todas aquellas personas que piensan que mi tesis quita algo de magia al arte. No lo hace. De hecho, para mí, mis investigaciones han significado el redescubrimiento de las habilidades (con la óptica) y los métodos que pueden enriquecer el futuro. El poder de las imágenes inmóviles perdurará. Lo bien hecho será apreciado y, por lo tanto, conservado. Si digo “Enrique VIII”, de inmediato un cuadro viene a la mente, un cuadro de un gran artista, Holbein. La imagen hecha a mano es una visión humana. Hay un gran mundo hermoso ahí fuera, con nosotros en él. Ahora es posible, con ayuda del ordenador, una nueva visión de él para destruir la tiranía de la lente. Algunos ya han señalado que el nuevo cine digital es un súbgenero de pintura. Emocionantes tiempos nos esperan.»
Destino is an animated short film released in 2003 by The Walt Disney Company. Destino is unique in that its production originally began in 1945, 58 years before its eventual completion. The project was originally a collaboration between American animator Walt Disney and Spanish Surrealist painter Salvador Dalí.
Guide to taking the best possible photos of your artwork, using simple lighting and camera techniques.
Production and direction by Tyler Stalman & Jason Eng
Created for saatchionline.com
How to photograph your art from Tyler Stalman on Vimeo.
Excelente documental de la BBC
Life Drawing at The Book Club
Life Drawing at The Book Club from Wriggles & Robins on Vimeo.
Every easel in a life drawing class captures a different angle of the model.
We created the film by editing each drawing with the next, moving around the circle of easels.
To find out more about life drawing classes at The Book Club visit wearetbc.com
Shot, produced and directed by Wriggles & Robins
Graded by Aline Sinquin at MPC
Sound Mix by 750mph.com
Music by davidkamp.de
Life model: Clelia Rinaldi
Fuente: http://www.factum-arte.com/eng/videos.asp
Un alucinante viaje dentro de las obras del maestro Piranesi gracias a los genios de Factum Arte.
Piranesi: Carceri d’invenzione from factum-arte on Vimeo. Sigue leyendo Piranesi: Carceri d’invenzione.
Fuente: http://www.factum-arte.com/eng/conservacion/caravaggio/caravaggio_progress.asp
Above is a 30 minute film on the production of the 3 facsimiles of paintings by Caravaggio in San Luigi dei Francesi, including clips of the processes mentioned below in detail.
Investigations into Caravaggio’s painting technique and his possible
use of mirrors and lenses produced some remarkable results Sigue leyendo Manuel Franquelo: The Caravaggio Research Centre The making of the facsimiles
Fuente: http://operationsroom.wordpress.com
Check out this video on how New York based artist Jeff Koons creates art.
The key phrase here is “I create systems.” That is, Koons has processes for converting his ideas into physical realities even if he never lifts a finger on a particular piece. The Wall Street Journal had a recent article on this and how the use of assistants goes beyond just Koons (The Art Assembly Line, June 3). Sigue leyendo El taller de Jeff Koons
Fuente: Museo del Prado
