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Aula virtual – Video recomendado 3: Diego de Velazquez o el realismo salvaje

Este documental sobre Diego Velázquez, se presenta al artista constantemente en busca de una verdad humana, este documental se propone descubrir la singularidad del «pintor de pintores» y revolución artística y estética que Diego Velázquez causó en un viaje de investigación. El narrador es un joven de veinte años, Marco, estudiante de cine. Su voz y sus impresiones de la obra de Velázquez constituyen el eje central, que no se centran en la película camino demasiado lineal a través de la obra del maestro español del siglo XVII

  • Título original    Diego Velazquez ou le réalisme sauvage (TV)
  • Año                    2015
  • Duración            52 min.
  • País                   Francia Francia
  • Dirección           Karim Aïnouz
  • Guion                 Karim Aïnouz, Marcelo Gomes, Yves Nilly
  • Música               Burak Özdemir
  • Fotografía          Ali Olay Gözkaya
  • Reparto              Documentary
  • Productora         Arte France / Les Poissons Volants
  • Género               Documental | Pintura. Mediometraje. Telefilm
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Claudio Bravo Camus, el genio al que el hiperrealismo se le quedaba corto

La Vanguardia, REDACCIÓNBARCELONA

Google homenajea al pintor chileno el día que hubiera cumplido 83 años

Claudio Bravo Camus, el genio al que el hiperrealismo se le quedaba corto
Claudio Bravo en su estudio de Tánger, en Marruecos, junto a su obra en proceso ‘La Última Cena’ (Facebook Claudio Bravo/ Massimo Listri)

“Te morirás de hambre, serás un fracasado, un vagabundo”. Con estas palabras Tomás Bravo intentó desmotivar a su hijo en la juventud para que dejara la pintura y buscara otra forma de ganarse la vida. Por fortuna Claudio Bravo Camus (Chile, 1936 – Marruecos, 2011) ignoró a su progenitor y se convirtió en uno de los pintores que mejor controlaban el hiperrealismo, aunque él prefería decir que era superrealista.

Claudio Bravo Camus nació tal día como hoy de hace 83 años en Valparaíso y con esa excusa el gigante Google ha querido rendirle un homenaje dedicándole un doodle. El famoso buscador ha cambiado sus letras de portada por unas inspiradas en una obra del chileno, los paquetes misteriosos envueltos en papel y atados con un cordel.

Google le ha dedicado un doodle a Claudio Bravo Camus
Google le ha dedicado un doodle a Claudio Bravo Camus (Google)

Este genio de los pinceles empezó a adentrarse en el mundo del arte desde niño imitando obras de Vermeer, Fra Angelico y Baldovinetti, tal y como recoge su biografía. Fue autodidacta y con solo 17 años ya estaba exhibiendo sus pinturas en una famosa galería de Valparaíso.

Bravo Camus fusionó la técnica clásica de los pintores barrocos españoles con un toque de surrealismo al estilo de Salvador Dalí. En ocasiones se le comparaba con los pintores fotorrealistas por su perfeccionismo a la hora de retratar cualquier cosa, desde personas a cajas de cerillas, verduras, cascos de moto o productos de limpieza. Lo que hacía especial al chilero era que no basaba sus lienzos en fotografías, prefería fiarse más de su vista: “El ojo ve mucho más que la cámara: medios tonos, sombras, pequeños cambios en el color o la luz”.

Before the Game, 1983
Oil on Canvas
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En la década de los 60 se animó a cruzar el charco y se instaló en España. Primero Barcelona y después en Madrid. Fue ganando fama hasta el punto de que había lista de espera de gente que quería ser retratada por él. Entre sus clientes más destacados había miembros de la familia del dictador Francisco Franco y los líderes filipinos Ferdinand e Imelda Marcos, no tuvo problemas en esa época por ser extranjero y homosexual declarado.

 

Claudio Bravo Camus podía presumir de haber realizado 50 exposiciones centradas en su persona, además de otras tantas junto a otros artistas. Sus obras están presentes aún en una treintena de museos del mundo y en el año 2000 los reyes Juan Carlos I y Sofía le impusieron la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.

Marjana amarillo (detalle)
Óleo sobre lienzo [2008]
Ver imagen en Twitter
Tras aburrirse de tanta fama quiso aislarse en el desierto marroquí y se compró una mansión en Tánger en 1972. Allí amplió su repertorio a retratos y paisajes de animales. En 2008 se mudó a Tarudant donde finalmente falleció tres años después. Murió rodeado de sus sirvientes y sin familia a causa de un ataque de epilepsia que le causó dos infartos.
Claudio Bravo murió a los 74 años en MarruecosClaudio Bravo murió a los 74 años en Marruecos (Facebook/ Claudio Bravo)
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Teresa Oaxaca (1987)


Artist Statement
«Aut inveniam viam aut faciam»
«I shall either find a way or make one.»

Teresa Oaxaca is an American born artist based currently in Washington D.C. She is a full time painter whose works can be seen in collections and galleries throughout the US and internationally. Her talent has been recognized and rewarded by museums and institutions such as the American Museum of the Cowboy, The former Corcoran Gallery of Art, The Art Renewal Center, The Elisabeth Greenshields Foundation, the Posey Foundation, and The Portrait Society of America and the Museu Europeu D’Art Modern in Barcelona.

Her training includes a four-year diploma at the Angel Academy of Art (Florence Italy, Graduate studies at the Florence Academy, an Apprenticeship with Odd Nerdrum in Norway, and studies at the Art League of Alexandria VA where she trained with Robert Liberace, Paul Lucchesi, and took many other courses. Currently she teaches workshops around the United States and in Europe.

In addition to her studio work she takes a variety of portrait commissions including Family Portraiture, Professional/Business, Custom and Informal arrangements. She exhibits widely and sells her work on a regular basis.

Within Washington D.C. she has participated with local groups such as The Esperanza Education Fund and the National Education Association. In 2014 she became a member of the Young Partners Circle of The National Museum of Women In The Arts. She is also a registered member of the National Art Education Association (NAEA) and an Ambassador for the newly established Da Vinci Initiative, which designs and promotes skill-based learning and lesson plans for US K-12 public school educators.

Since returning to the Washington D.C. area I have been focusing on creating a new and large body of work. My new series have taken me away from academic studies to more elaborate compositions which combine human and still life elements. In addition to this I now take on portrait commissions, and continue my studies in art by observing and copying the painting of the Old Masters in art galleries throughout the world.

My work is about pleasing the eye. I paint light and the way it falls. Simple observation reveals beauty; often it is found in the unconventional. Because of this I have learned to take particular delight in unusual pairings of subject matter. Frequently my compositions are spontaneous. When a person comes to me, they occupy a space my mind. Arrangements form from there until with excitement I see and have the idea. The design is both planned and subconscious. For this reason I surround myself with Victorian and Baroque costume, bones, and other things which I find fascinating- I want subject matter to always be at hand.

My paintings are created with oil paint on canvas. I am conscious of the traditional craftsmanship I have attained in Florence. While my interest in new pigments and tools may cause minor alterations in my materials, these really remain fundamentally the same. All my evolution is taking place on the canvas and in my head; in what I see in nature and interpret in two dimensions on the picture plan. I have the fundamentals of design to work with when planning a painting. I make preparatory studies. I use multiple layers to build an illusion of light and form. When this illusion is convincing and to my taste, the painting is done.

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Elena Abreu Apellániz

Obras 2004 – 2016

Elena Abreu Apellániz ha abordada sus temas con una actitud que evidencia mayores expectativas y una exigencia visual muy evolucionada. En buena medida no ha esquivado las dificultades que imponía el tema y su resultado es convincente. Perspectivas amplias y atmosféricas que logran compensar lo deshabitado de las vistas sin gentes con un colorido y una luz que inyectan vitalidad y naturalidad a los espacios que más que reales son psicológicos. Elena Abreu Apellániz ha elegido, la factura y las técnicas del realismo para expresar su propio mundo, pero no se trata de un verismo virtuosista que quiere emular los pormenores fotográficos, sino algo más hondo y reflexivo en lo que nada es igual a la apariencia. Una apropiación de los colores y la pincelada en servicio de los efectos de la luz y la movilidad de la naturaleza y su reflejo en la propia sensibilidad. Se demuestra claramente cómo los desafíos permiten a un autor hallar en claves distintas, atisbar nuevos efectos, luces, toda la potencialidad de un tema desarrollado y exprimido. Una clara evidencia, una incitación a volver a asumir en cada momento la responsabilidad sobre su producción, sobre su huella. La obra se convierte en una aventura individual y en éste punto comienza tal vez la posibilidad de llegar a otros niveles de desarrollo creativo. Donde las problemáticas, lejos de quedar estancadas en los rudimentos del lenguaje pictórico básico, se proyectan en la problemática esencial del quehacer artístico libre de todo lo verdaderamente prescindible. Quedamos a la espera de conocer la forma que Elena Abreu Apellániz elegirá tomar su camino, asumir su responsabilidad consigo misma. La compresión plena que su obra verdadera está en sus manos y solo en sus manos.

ACADEMIA DECINTI VILLALÓN. Madrid, 2008

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DeCinti (1973), «La Nave de los Necios»

Fuente: Wikipedia
La nave de los Locos o de los necios (en el original alemán, Das Narrenschiff, en su traducción latina, Stultifera Navis) es una obra satírica y moralista publicada en Basilea en 1494 y escrita por el teólogo, jurista y humanista conservador de origen alsaciano y cultura alemana Sebastian Brant (o Brand). Es una sucesión de 112 cuadros críticos (el número puede variar dependiendo de las ediciones) acompañados cada uno con un grabado, en los que Sebastian Brant critica los vicios de su época a partir de la denuncia de distintos tipos de necedad o estupidez.
http://www.decinti.com/obra/ciclo-nave-de-necios/


DeCinti (1973)

Pintor chileno-italiano, Licenciado en Bellas Artes Universidad de Chile, radicado en España desde 2002. Distinguido con la Beca Excelencia Académica proceso de admisión 1991 a las universidades chilenas. Primer premio concurso Arte en Vivo en 1994 y la beca de posgrado Fundación Arte y Autores Contemporáneos en 2002. Fundador en Madrid del proyecto artístico Decinti&Villalón en 2004, junto al artista chileno-español Oscar Villalón. Desde 2006 es colaborador y promotor del proyecto Ramírez Máro Institute junto al artista alemán Rafael Ramírez Máro. Desde 2011 colabora Eduardo Basterrechea en El Molino de Ideas, Madrid y co-fundador del proyecto artístico DeArtibus Barcelona.

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Antonio López / Escultor

Antonio Lopez 2@

Antonio López García nació en 1936 en Tomelloso, Ciudad Real. En 1949, con solo trece años de edad llegó a Madrid, con la intención de aprender el arte de la Pintura, y desde entonces su vida ha estado ligada a nuestra ciudad. Entre 1950 y 1955 estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, años después allí fue profesor, y finalmente en 1993 fue nombrado Académico.

Es considerado el maestro del hiperrealismo, pero su arte va mucho más allá, sus obras trasmiten una cierta magia y remiten sin duda a los grandes realistas españoles, como su admirado Velázquez. Antonio López es uno de los artistas españoles actuales más importantes. En 1985 obtuvo el Premio Príncipe de Asturias, y en 2006 el Premio Velázquez otorgado por el Ministerio de Cultura. Es el pintor español vivo más cotizado, después de que una de sus pinturas fuera vendida en subasta por 1,7 millones de euros.

Lo que tal vez no sea tan conocido es que Antonio López es también un magnífico escultor. En Madrid tenemos dos ejemplos emocionantes.

Es sabido que el artista en la mayoría de los casos emplea años en completar cada una de sus obras, su minuciosidad y afán de perfección le lleva a algo parecido a la obsesión, como él mismo ha reconocido. Un ejemplo son sus impresionantes esculturas “Hombre y Mujer”.

Su historia comenzó, en forma de dibujos, en 1961. Y el nacimiento de las figuras modeladas a tamaño natural tuvo lugar en 1968, aunque no serían finalizadas hasta 1994. Una “historia desmesurada”, como él mismo dice.

En 1973 el autor dio por terminada a la Mujer, año en que las esculturas fueron adquiridas por una coleccionista americana. Pero, con permiso de la dueña, que nunca llegó a tenerlas físicamente, Antonio López continuó trabajando en la figura del Hombre durante muchos años en su taller.

Realizadas en madera de abedul, constan de muchas piezas pequeñas talladas y ensambladas entre sí, mediante tornillos o pequeños trozos de la misma madera, encoladas, y policromadas al óleo y mediante pigmentos. Los ojos son de cristal, como los que utilizan las personas tuertas, por lo que las figuras se convierten en algo inquietante, parecen vivas, especialmente el Hombre, cuyo rostro tiene tanta expresividad que da la impresión de que te devuelve la mirada.

«Hombre y Mujer»

Más de treinta y cinco años después de que Antonio López realizara los primeros dibujos, siendo aún un joven de 25 años, ambas figuras llegaron al Museo Reina Sofía, y allí se encuentran desde octubre de 2001, en la sala 405 de la planta 4 del edificio Sabatini.

Adquiridas por la empresa Repsol, pasaron a ser propiedad del Estado como pago de impuestos por parte de esta Compañía. Se dio la curiosa circunstancia de que la primera propietaria estuvo presente el día de la inauguración en el Museo Reina Sofía.

En la misma sala, detrás de las esculturas, actualmente se exponen los primeros dibujos efectuados por el artista en 1961 con carboncillo y lápiz conté.

Pero el Hombre y la Mujer no son las únicas esculturas de Antonio López que podemos admirar en Madrid. Muy cerca del Museo, al otro lado de la glorieta de Atocha, hay otras dos.

Ya consagrado, Antonio López ha vuelto a Atocha, el primer lugar que pisó al llegar a Madrid, siendo aún casi un niño. En el verano de 2008 fueron instaladas en la Estación dos esculturas de gran tamaño tituladas “Día” y “Noche”.

Encargadas por el Ministerio de Fomento en 2002, fueron colocadas en el vestíbulo de las Llegadas en la estación de Puerta de Atocha. Las pueden contemplar los viajeros que llegan, llegamos, en el AVE a Madrid, o los que esperan, esperamos, a esos viajeros en el gran vestíbulo, escenario perfecto para esas esculturas gigantes. Estos bustos de bronce de tres metros de alto por tres de ancho necesitaban espacio para poder trasmitir la ternura que encierran, y aquí lo han encontrado.

«Día»

Es un bebé, su nieta, se llama Carmen, que entonces contaba solo seis meses de edad y aún ignoraba que su rostro iba a quedar inmortalizado de esta forma y quién es su abuelo. La niña despierta y la niña dormida representan para el autor el Día y la Noche, el paso del tiempo acompañado por el paso de los trenes.

Las cabezas fueron fundidas en bronce a partir de moldes de escayola, e instaladas sobre sendas peanas, cada escultura pesa más de dos mil kilos.

«Noche»

La Vida, el hombre y la mujer, el Tiempo, el día y la noche. El gran artista del realismo parece también un gran filósofo.

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Ellen Altfest – Mirada meticulosa

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Altfest, de 42 años, se ha convertido en una pintora muy respetada durante la última década por sus trabajadísimos lienzos, que observan las cosas del mundo —cactus, plantas rodadoras, tuberías oxidadas, extensiones íntimas de cuerpos masculinos — con una atención obsesiva.

Jenny Moore, conservadora del Nuevo museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, que organizó el año pasado la primera muestra en solitario de Altfest, dice que cuando vio por primera vez sus cuadros, hace unos años, tuvo “la extraña experiencia de saber qué era lo que estaba mirando pero desde una perspectiva en la que realmente nunca lo vemos”.

“Se nos da muchísima más información de la que solemos asimilar”, añade Moore. “Creo que nunca he pasado tanto tiempo observando distintas partes del cuerpo como cuando he contemplado los cuadros de Ellen”.

En la interpretación que hace Altfest de una vasija, ninguna grieta o mancha queda sin registrar. En su visión de una axila masculina, cada pelo, marca de estiramiento, poro y vaso sanguíneo visible que ha observado a lo largo de los meses que se pasa sentada a unos centímetros del modelo están ahí, convirtiendo lo real en algo asombroso.

Durante los muchos años que pasó pintando partes del cuerpo —masculino, exclusivamente—,Altfest sometió a los modelos, en su mayoría compañeros pintores, a unos padecimientos físicos que rivalizaban con los de sus días en el bosque.

El pintor T.M. Davy posó mientras Altfest se pasaba alrededor de un año terminando dos cuadros: uno del pene de Davy y el otro, una imagen de tres cuartos de su cuerpo desnudo, estirado de un modo un tanto extraño sobre una silla del estudio. “Creo que no estaba preparado para la forma en que mi cuerpo iba a rechazar el hecho de permanecer en esa postura”, reconoce el modelo.

http://whitecube.com/artists/ellen_altfest/

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