Autor: decinti

Publicado el por

Hera Kut – Urban Art

herakut@

El colectivo alemán conocido como “Herakut” lo forman dos artistas: Hera, de Frankfurt y Akut, de Erfurt. Empezaron a pintar juntos después de conocerse en el Festival Urbano de Artes de Sevilla, en 2004; antes de eso, sólo sabían del trabajo de cada uno por publicaciones en revistas de arte urbano y grafiti. A pesar de que trabajan juntos y ambos se especializan en pintar personajes, sus estilos son muy diferentes en cuanto a técnica, motivo por el cuál se complementan tan bien.

El contenido visual y los textos de su obra son una expresión intuitiva del estado mental de su generación; se ven a sí mismos como parte de un movimiento cultural general, sin barreras artísticas. Akut empezó haciendo grafiti a los 14 años, rodeado de otras culturas, como la del hip hop, sin una finalidad artística.

Hera comenzó a pintar paredes en 2001; sintió la necesidad de trabajar dimensiones más grandes desde el inicio. En su obra, se percibe una fuerte influencia de la técnica de años de estricta educación artística, que recibió desde su infancia. Hoy día, Hera le da un sentido intuitivo y espontáneo a sus pinturas a través de la libertad total que se permite.

http://www.herakut.de/

herakut 6 herakut 5 herakut 4 herakut 3

Publicado el por — Deja un comentario

Dali & Walt Disney – Destino – Corto animación

sali-&-walt-disney

Destino is an animated short film released in 2003 by The Walt Disney Company. Destino is unique in that its production originally began in 1945, 58 years before its eventual completion. The project was originally a collaboration between American animator Walt Disney and Spanish Surrealist painter Salvador Dalí.

https://vimeo.com/64996940

dali destino 2 dali destino 3

 

Publicado el por — Deja un comentario

Salvador Dali – Museo Reina Sofía

dali@

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/dali-todas-sugestiones-poeticas-todas-posibilidades-plasticas

Esta exposición se propone revalorizar al Salvador Dalí como pensador, escritor y creador de una particular visión del mundo. Tomando como punto de partida su método paranoico-crítico, la muestra supone un recorrido por su trayectoria que se proyecta hacia el pasado y el futuro.

A través de una selección de más de doscientas obras (pinturas, esculturas, dibujos…) que se presentan organizadas en once secciones y siguiendo un cierto orden cronológico, esta exposición propone repensar el lugar que ocupa Salvador Dalí en la historia del arte del siglo XX, planteando que la importancia de su figura y de su legado va más allá de su papel de artífice del movimiento surrealista. La muestra -cuyo subtítulo está extraído de su artículo «San Sebastián» (1927), que representó su primer manifiesto artístico- da cuenta de cómo este artista controvertido y singular, prolífico e imaginativo,fue capaz de generar un arte perturbador que apela directamente a los espectadores. Un arte que, haciéndose eco de los descubrimientos científicos de su época, explora y expande los límites de la conciencia y de la experiencia sensorial y cognitiva.

Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas nos presenta a Dalí como un artista omnívoro y visionario que se utilizó a sí mismo como objeto de estudio y cuyas acciones en la esfera pública, ya fueran calculadas o improvisadas, le sitúan como una figura de referencia en el ámbito de la representación contemporánea. El núcleo de la exposición lo constituye su periodo surrealista y en él se presta especial atención a su método paranoico-crítico, que el artista catalán concibió como un mecanismo de transformación y subversión de la realidad, posibilitando que la interpretación final de una obra dependiera totalmente de la voluntad del espectador. Fue en sus trabajos en torno al cuadro El Ángelus (1857-59) de Jean-François Millet -que llegó a describir como la «obra pictórica más rica en pensamientos inconscientes que jamás ha existido»- donde este método alcanza su máxima expresión.

La muestra, que comienza con una selección de las obras que Dalí realizó en los inicios de su carrera y durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid (incluyendo algunos de sus primeros autorretratos o los dibujos de su serie Putrefactos), también se detiene en su etapa mística y nuclear (en la que prevalece la temática religiosa y científica), así como en sus trabajos de carácter escenográfico (sus colaboraciones con cineastas como Buñuel, Hitchcock o Walt Disney, sus diseños de decorados para ballets y obras de teatro…). A su vez, examina críticamente su faceta de agitador de masas y showman mediático, le dedica un apartado específico a su libro autobiográfico La vida secreta de Salvador Dalí (eficaz simbiosis entre el Dalí dibujante y el Dalí literato) o muestra cómo a partir de los años sesenta y hasta el final de su carrera, su fascinación por la ciencia y la tecnología le llevó a explorar nuevos lenguajes como la estereoscopia o la holografía.

dali 7 dali 6dali 2dali 5 dali 3

Publicado el por — Deja un comentario

Gabriel Moreno – Ilustrador

gabrielmoreno@

A lo largo de la historia, las mujeres han sido musas de grandes pintores como Da Vinci, Dalí o Goya. La sensualidad de la mujer es un arma poderosa que puede desatar guerras, pero también servir como motor para producir arte; esto le sucedió a Gabriel Moreno, un artista visual español que ve en las mujeres la motivación para desarrollar sus ilustraciones.

http://gabrielmoreno.com/

gabriel moreno 3 gabriel moreno 2 gabriel moreno 1

Publicado el por — Deja un comentario

Ai Wei Wei

Aiweiwei/艾未未 poses for a portrait in his studio compound.

http://aiweiwei.com/

Ai Weiwei is an artist and a social activist. His work encompasses diverse fields including fine arts, curating, architecture, and social criticism. Born in Beijing in 1957, he moved to Xinjiang with his family between 1960 and 1976. Subsequently he relocated to the United States in 1981 and lived there until 1993. He currently resides and works in Beijing.

On April 3, 2011, Ai was secretly detained by the police for 81 days at the Beijing Capital International Airport while on his way to board a flight to Hong Kong. He was released on bail on June 22, 2011 upon fabricated tax charges. Although the bail was lifted after a year, the authorities have not returned his passport and he remains prohibited from travelling outside China.

In collaboration with Herzog & de Meuron, Ai Weiwei designed the 2012 Serpentine Pavilion in London, UK. Among numerous awards and honors, he won the Václav Havel Prize for Creative Dissent from the Human Rights Foundation in 2012, and was selected as Honorary Academician at the Royal Academy of Arts, London, UK in 2011.

His major solo exhibitions include Ai Weiwei: According to What? at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C. (2012), Ai Weiwei: Absent at the Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan (2011), Circle of Animals at the Pulitzer Fountain, New York, NY (2011), Interlacing at Fotomuseum Winterthur, Winterthur, Switzerland (2011), The Unilever Series: Ai Weiwei at the Tate Modern, London, UK (2010), So Sorry at Haus der Kunst, Munich, Germany (2009), and Ai Weiwei: New York Photographs 1983-1993 at Three Shadows Photography Art Center, Beijing (2009).

AI+WEIWEI+PORTRAIT aiweiwei13Ai-Weiwei-1aiweiwei14 aiweiwei12 aiweiwei10 aiweiwei11

Publicado el por — Deja un comentario

Jean Michel Basquiat – Gagosian Gallery HK

Basquiat 3

http://www.gagosian.com/exhibitions/jean-michel-basquiat–may-21-2013/exhibition-video

 I don’t think about art while I work. I try to think about life.
—Jean-Michel Basquiat

Gagosian Gallery is pleased to announce the first exhibition in Hong Kong of paintings by Jean-Michel Basquiat. An acclaimed exhibition at Gagosian New York earlier this year drew tens of thousands of visitors, attesting to Basquiat’s acute relevance twenty-five years after his untimely death.

Born to a Haitian father and a Puerto-Rican mother, Basquiat left his family home in Brooklyn, New York at the age of fifteen and took to the streets. A voracious autodidact, he quickly became a denizen of the explosive and decadent New York underground scene—a noise musician who loved jazz, and a street poet who scrawled his sophisticated aphorisms in Magic Marker across the walls of downtown Manhattan, copyrighting them under the name SAMO. In 1981, he killed off this alter ego and began painting and drawing, first on salvaged materials then later on canvas and paper, and making bricolage with materials scavenged from the urban environment. From the outset he worked compulsively; his passion for words and music, his intense yet fluid energy, and the heterogeneous materials that he employed so freely imbued his work with urgency and excitement. He sold his first painting in 1981, and by 1982, spurred by the Neo-Expressionist art boom, his work was in great demand. In 1985, he was featured on the cover of The New York Times Magazine in connection with an article on the newly exuberant international art market. In that photograph, Basquiat is a vision of cool, sprawled in a chair in an elegant three-piece suit and tie, with bunched dreadlocks and bare feet, in front of a large, bold painting—a supernova in the making.

Charismatic image aside, Basquiat was a prodigious young talent, fusing drawing and painting with history and poetry to produce an unprecedented artistic language and content that bridged cultures and enunciated alternative histories. Combining materials and techniques with uninhibited yet knowing and precise intent, his paintings maintain a powerful tension between opposing aesthetic forces—expression and knowledge, control and spontaneity, savagery and wit, urbanity and primitivism—while providing acerbic commentary on the harsh realities of race, culture, and society.

In explosively colored compositions, forceful, schematic figures and menacing mask-like faces are inscribed against fields jostling with images, signs, and symbols. The Thinker (1986), a wry, unsettled riposte perhaps to Rodin’s famous subject, depicts a strange, zombie-like figure surrounded by forms evoking clouds, birds, and musical instruments. The canvas appears to have been primed and used as a drawing board for this ambiguous imagery then mostly blacked-out, leaving few windows onto the subject’s thoughts. Whether the blank white space near the top of the composition represents a future idea, mental clarity, or the sub-conscious is left to speculation. A double-portrait incorporating tribal markings, and strong, dark reds and blues, and an afflictive, red-eyed self-portrait with delicate graphic detailing painted in 1984, are further examples of this charged shorthand approach, which Basquiat continued to develop and diversify until his tragic premature death in 1988 at the age of twenty-seven—doubtlessly spurred by the alienating effects of fame and addiction.

Basquiat 9 Basquiat 8 Basquiat 5 Basquiat 4 Basquiat 2 Basquiat 1 Basquiat 6

Publicado el por — Deja un comentario

José de Ribera – San Jerónimo escribiendo

Ribera---San-Jerónimo@

Su juventud ha sido un misterio y objeto de debate y de controversia entre los expertos. Ahora, el Museo del Prado ha dado un paso más que ayuda a despejar las incógnitas que rodean la trayectoria temprana del pintor español José de Ribera El Españoleto (Játiva, Valencia 1591- Nápoles 1652) con la restauración e incorporación a su colección del cuadro San Jerónimo escribiendo (1615). Por primera vez atribuida al artista, la obra ha seguido todo un periplo de autorías y ha viajado por distintos espacios. Es el segundo cuadro de la primera etapa de Ribera que alberga el museo. El Prado adquirió La resurrección de San Lázaroen una subasta en Nueva York por 2,5 millones de euros en 2001. La compra generó una gran polémica precisamente por la cuestión de la autoría. San Jerónimo escribiendo, han afirmado los expertos del Prado, permite ver “la calidad y la originalidad que alcanzó durante sus primeros años en activo, una etapa muy singular de su carrera”.

San Jerónimo escribiendo se encontraba depositado en la casa-museo Colón de Las Palmas de Gran Canaria, y se pensaba que era del pintor valenciano Esteban March. Antes, había pertenecido a la colección de Isabel de Farnesio y llegó por primera vez al Prado en el siglo XIX. Entonces se relacionaba con el artista Massimo Stanzioni quien, como Ribera, recibió una gran influencia de Caravaggio. De aquí, pasó en 1940 a la casa-museo Colón y solo recientemente el experto en pintura caravaggista Gianni Papi lo identificó, después de que un especialista en arte alertara al prestigioso historiador de que podía ser del primer Españoleto. Papi se ha basado en las similitudes de composición y estilísticas de la obra y de otras que Ribera realizó en torno a 1615, que integran la serie Los sentidos. San Jerónimo escribiendo comparte con estos cuadros un “uso muy tenebrista de la luz”, además de gran “precisión descriptiva”. “Está la composición, la estructura pictórica, la estrategia de iluminación”, ha destacado la restauradora Almudena Sánchez como otros rasgos que caracterizan esa etapa del artista.

Ribera - san Jerónimo escribiendo

Sánchez ha explicado que el cuadro, —un óleo sobre lienzo de 158 por 98 centímetros— presentaba un aspecto “apagado y oscuro” y problemas en el perímetro por la humedad y por un antiguo ataque de xilófagos. Su restauración ha sido un proceso “laborioso y delicado” apoyado por la Fundación Iberdrola, que tiene un acuerdo de colaboración con el museo desde 2010 como protector del programa de restauración. Los barnices se habían oxidado y estaban distribuidos de manera desigual. Ahora, ha indicado, “se ha recuperado la luz que viene de arriba, que permite percibir las transiciones entre las luces y las sombras”. San Jerónimo escribiendo, que se expone en la sala “En la senda de Caravaggio” del Prado, junto a La resurrección de San Lázaro, también da cuenta de la lectura que hizo Ribera de las enseñanzas del maestro que se considera el primer gran representante de la pintura barroca.

Javier Portús, jefe de conservación de pintura española del museo del Prado, ha resaltado el hecho de que el lienzo permita entender el recorrido del pintor a través del tema. Ahora, son más de cuarenta las obras del maestro del Siglo de Oro que la pinacoteca aloja. Además de San Jerónimo escribiendo, hay otras dos pinturas de Ribera sobre el mismo tema, una de 1644 y la otra de 1652, año de la muerte del artista. En las dos últimas, ha apuntado Portús, se observan claramente pinceladas «nerviosas» para representar la imagen penitente del santo que tradujo la Biblia al latín, que alcanzó gran relevancia durante la Contrarreforma en los países católicos durante el siglo XVI.

Desde el San Jerónimo de 1615 hasta los posteriores, ha indicado Portús, «se ve un Ribera muy sensible al color de los venecianos, que avanza hacia la expresividad del color y de las pinceladas». En el cuadro más temprano, con un estilo muy diferente, apenas se nota la presencia individual del pincel.

El historiador ha destacado la importancia de una nueva obra del artista para el Prado como institución que posee una vocación internacional. «Se trata de un pintor español, pero también italiano. Su obra, que influyó enormemente en el desarrollo del arte español del siglo XVII, ayuda a entender la escuela española». Así, Portús ha recordado cómo la idea de «escuela» está sujeta a muchas variables. «En Europa el arte es un idioma universal. La ansiedad por narrar la historia de la pintura desde la perspectiva de escuelas nacionales tiene que ver con los nacionalismos del siglo XIX».

El museo del Prado realizó una exposición en 2011, El joven Ribera, con el objetivo de aclarar puntos oscuros de la desconocida etapa del pintor en Roma y los años que sucedieron a su traslado a Nápoles.

Publicado el por — Deja un comentario

Axel Hutte – Naturaleza Sublime

Axel Hutte 2

La obra de Axel Hütte se enmarca dentro de una tradición de fotógrafos alemanes herederos directos de la estética conceptual y las enseñanzas de Bernd y Hilla Becher, que, en la década de los ochenta, readaptarán el proyecto originario de la Nueva Objetividad para adoptar una singular manera de enfrentarse al mundo. Al igual que sus compañeros de promoción en la Kunstakedemie de Düsseldorf —entre los que se encontraban Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff o Thomas Struth—, comparte inquietudes y planteamientos conceptuales afines: pertinaz practicante de la cámara de gran formato, adopta una estética fría, una mirada lo más neutral y desafectada posible, para acabar erigiendo imágenes planas técnicamente impecables y con una calidad de detalles que pone de manifiesto su preocupación formal por la desnudez y la pureza de registro.

Bajo la denominación genérica de «Escuela de Düsseldorf», todos ellos reinventaran la larga tradición de géneros como la fotografía de arquitectura o el retrato, donde, al no retratar el cuerpo o edificio completo, el fragmento o la parte como máxima expresión del todo se convierte en el elemento definitorio.

Si bien Hütte ha puesto a todos ellos en el camino de su objetivo, es el del paisaje el que le ha convertido en uno de los fotógrafos más reputados de la escena artística internacional, y que ha abordado cuestionando la tradición artística: prescindiendo de la figura humana e intentando atrapar lo intangible de la Naturaleza, pone en tela de juicio la visión del paisaje romántico, sublime o pintoresco, popularizada de forma masiva a finales del siglo xix y que terminó por transmitir y fijar una iconografía que todavía hoy persiste como constructo de la memoria colectiva.

Axel Hutte 9
!TELEFON B005
Axel Hutte 7
Axel Hutte 6
Axel Hutte 3
Axel Hutte 1

Publicado el por — Deja un comentario

Jason Shawn Alexander – Blood & Whisky

Jason-Shawn-Alexander@

Jason Shawn Alexander (B. 1975) Painter and draftsman from Tennessee, currently resides and works in Los Angeles, California. Though modern in its subject matter, Alexander’s work pulls, still, from the vulnerability, fear, and underlying strength that come from his rural upbringing. Much like good Delta Blues, his work maintains a sense of pain and passion which steers Alexander away from the standard “isms” that, in his words, “tend to muddy up what’s really important”. The result is something heartbreakingly genuine.

http://bloodandwhisky.blogspot.com.es/

194304-001v2.psd 192335_5 192335_3Jason Shawn Alexander11 Jason Shawn Alexander10 Jason Shawn Alexander6 Jason Shawn Alexander9

Publicado el por — Deja un comentario

Frans Hals – Eye to Eye with Rembrandt, Rubens and Titian

Frans-Hals@

http://www.franshalsmuseum.nl/en/exhibitions/frans-hals-eye-eye/

In the Frans Hals Year 2013, key works by the artist will be shown amidst paintings by such famous predecessors and contemporaries as Titian, Rembrandt, Rubens, Van Dyck and Jordaens in Frans Hals: Eye to Eye with Rembrandt, Rubens and Titian. This extraordinary confrontation of old masters is essential to the understanding of seventeenth-century art. Famous painters often produced their works in response to one another, seeking to outdo the other artist and create something exceptional. The best way to assess the results of their efforts is to look at comparable works side by side. Visitors can see for themselves the artistic challenges Hals must have faced and what makes him unique. The paintings come from some of the world’s greatest museums, among them the National Gallery in London, the Prado in Madrid and the Louvre in Paris, and from various private collections.

Frans Hals Frans Hals 4 Frans Hals 2

Publicado el por — Deja un comentario

Camille Pisarro – Museo Thyssen Bornemisza

 

pisarro@

Paisajes, escenarios rurales y delicadas vistas de París.Es lo más representativo de la obra de Camille Pissarro. 79 de sus obras, con cuadros de museos de todo el mundo, forman parte de la exposición que se abre en el Museo Thyssen. Primera exposición monográfica que se le dedica en España.

http://www.museothyssen.org/thyssen/home

Camille Pisarro 3 Camille Pisarro 1pisarro 9 pisarro

Publicado el por — Deja un comentario

Eric Fischl – The bed, The chair, The sitter

eric-Fischl@

Si bien sus primeras obras están cercanas a la abstracción, a partir de 1976 introduce elementos figurativos, derivando a finales de los setenta hacia un estilo realista de fuerte carácter expresivo, con influencia de expresionistas como Max Beckmann, Lucien Freud o pintores de la tradición naturalista norteamericana, como Winslow Homer, John Singer Sargent o Edward Hopper.

 

Su temática se centra principalmente en la sexualidad, con abundantes representaciones de cuerpos desnudos, en actitudes eróticas, pero con cierto aire enigmático, angustioso, opresivo, lo cual queda enfatizado por su gama cromática apagada, grisácea, con una iluminación de extraña intensidad que acentúa el estilo expresivo de sus obras. Así, Fischl llama la atención sobre la desvirtuación de los valores morales en la moderna sociedad norteamericana.

eric fischl 4 eric fischl 3 eric fischl 2 Eric fischl 1eric fischl 6 eric Fischl 5

Publicado el por — Deja un comentario

Robert Mapplethorpe

El desnudo masculino alcanzó con Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946-Boston, 1989) unas cotas de belleza que muchos equiparan a la perfección de los escultores griegos. Negros o blancos, total o parcialmente retratados, sus modelos desprenden una elegancia minimalista difícil de capturar con la cámara. Famoso en todo el mundo desde la década de los 60 por sus trabajos homoeróticos, durante su última década de vida, Mapplethorpe optó por el refinamiento y la armonía, sin olvidar una brutal carnalidad en su obra.

Mapplethorpe008
Mapplethorpe009
Mapplethorpe007
Mapplethorpe006
Mapplethorpe005
Mapplethorpe004
Mapplethorpe001
Mapplethorpe002
Mapplethorpe003

Publicado el por — Deja un comentario

Andrew Salgado PORTRAITS!

salgado@

Salgado’s practice is an evolving process exploring concepts of identity through assertive, gestural figurative paintings. Salgado’s practice (re)considers the tangibility and impermanence of the body, but also inwardly comments upon the fragility of self. Accordingly, Salgado exploits the purely physical properties of media to inform resonating themes within his work. In an effort to surpass a literal (re)presentation of his subject-matter, he prioritizes a visceral, sensual, topographic painting surface, toward an evolving language of figuration and abstraction. The work asks for consideration of what is visible, what is tangible, and what is suggested: pulling the viewer from the sutures of representation, and drawing attention to the painterly versus the metaphorical.

andrew_salgado_01 ANDREW SALGADO

Publicado el por — Deja un comentario

Michael Hussar – Gothic Wonderland

Michael-Hussar@

Driven by love, hate, sin, redemption and death, Michael Hussar’s oil paintings present the viewer with a contextual maturity that is both confrontational and evocative. Hussar describes his work as «a voyeuristic snapshot of perceived humanity, complete with freaks and fakery; a gothic wonderland illuminating the gray area between truths and lies.» Hussar’s attachment to his paintings runs deep; each piece is a journal of sorts, allowing him to come face to face with his demons and exorcising them with each new stroke of the brush. Hussar’s paintings are in the private collections of Warren Beatty, Francis Ford Coppolla and Leonardo Di Caprio.

Michael Hussar 3 Michael Hussar 2Michael Hussar 5

Publicado el por — Deja un comentario

Michael O´Brien – Hard Ground

Michael O’Brien got out of his car one day in 1975 and sought the acquaintance of a man named John Madden who lived under an overpass. Their initial contact grew into a friendship that O’Brien chronicled for the Miami News, where he began his career as a staff photographer. O’Brien’s photo essays conveyed empathy for the homeless and the disenfranchised and won two Robert F. Kennedy Journalism Awards. In 2006, O’Brien reconnected with the issue of homelessness and learned the problem has grown exponentially since the 1970s, with as many as 3.5 million adults and children in America experiencing homelessness at some point in any given year.

Stephen Blair
Michael O´Brien 3
Michael O´Brien 4
Michael O´Brien 5

 

 

 

Publicado el por — Deja un comentario

Rafael Mengs. Exposición en el Prado

bd8591f18c
José Nicolás de Azara, Antón Rafael Mengs. Óleo sobre tabla, 77 x 61,5 cm, 1774. Madrid, Museo Nacional del Prado

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/mengs-y-azara-el-retrato-de-una-amistad

Mengs y Azara. El retrato de una amistad

3 de julio – 27 de octubre 2013

La exposición se centra en la relación amistosa entre Mengs y Azara, la afinidad de sus ideas estéticas y su estrecha colaboración artística, así como en su representación retratística, el coleccionismo de Azara y su papel como impulsor de la difusión de la obra de Mengs.

Además de la obra recientemente adquirida, otros ejemplos elocuentes de la amistad entre el artista y su protector son los bustos broncíneos de Azara y Mengs ejecutados en 1779 por el escultor irlandés Christopher Hewetson. También se expone un autorretrato de Mengs (hacia 1761-1765), que coincide con su primer encuentro con Azara y el diseño de la medalla del enlace de los príncipes de Asturias, también expuesta. Otro autorretrato tardío, hacia 1774-1776, que fue el modelo más importante para la difusión de la efigie del artista en España, se transmite, en la muestra, a través de una copia en pastel pintada por Ana María Mengs, hija del pintor, y de una estampa grabada por Manuel Salvador Carmona, esposo de Ana María. Como ejemplos de la afinidad de las ideas estéticas de Mengs y Azara, se presentan un dibujo de Mengs de la estatua antigua deAntinóo como Osiris de los Museos Vaticanos, y una estampa, según un dibujo de Mengs, de una de las pinturas murales de la Villa Negroni.

En 1779 Azara inició unas excavaciones en Tívoli, cerca de Roma. Con el hallazgo de quince retratos de filósofos y poetas griegos y de otras pequeñas esculturas en la denominada Villa dei Pisoni, Azara inauguró su colección de retratos y esculturas clásicos, que al final de su vida llegó a unas 70 piezas. De su colección, hoy repartida entre la Real Casa de Labrador en Aranjuez y el Museo, se exponen los retratos de los poetas Homero y Menandro, del filósofo epicúreo Hermarco y del general ático Milcíades, además un Dacio del Foro de Trajano en Roma y una estatua de Fortuna. También se muestra la Historia de la vida de Cicerón de Conyers Middleton, editada y traducida por Azara e ilustrada con grabados de esculturas de su colección.

La iniciativa de Azara de proteger y difundir la herencia artística de Mengs, se señala en la muestra a través de una estampa de su retrato pintado por Mengs y grabado por Domenico Cunego; una medalla conmemorativa del “pintor filósofo” acuñada por Caspar Joseph Schwendimann, en la que Azara incluyó su propia efigie; las Obras de D. Antonio Rafael Mengs editadas y comentadas por Azara y publicadas en Parma y en Madrid en 1780, y la primera biografía del artista redactada en 1780 por Ludovico Bianconi, ilustrada con una estampa que refleja el homenaje dedicado a Mengs por Azara en el Panteón de Roma, a través de la colocación de un ejemplar de su busto ejecutado por Hewetson.

Finalmente, la amistad de Azara con Napoleón a partir de la misión diplomática del año 1796, se documenta a través de una medalla conmemorativa de oro acuñada en el mismo año por el Senado de Roma en honor de Azara por su negociación del Armisticio de Bolonia, y una medalla con el retrato de Napoleón que conmemora el tratado de Paz de Amiens, que firmó Azara en 1802, en nombre del rey.

 

Publicado el por — Deja un comentario

Dan Witz. Hiperrealista

dan-witz

 

 

Comenzó su carrera a finales de los 70 con artistas tan míticos como Basquiat o Haring, este nunca ha abandonado la calle. El resultado son obras al óleo figurativas hiperrealistas, tratados con maestría y transmitiendo  presión, agonía, dolor, gozo…

 

http://www.danwitz.com/index.php?article_id=52

 

DanWitz_BigMoshPit-2007 DanWitz_ABCNoRio DanWitz_70CommercialStreet Dan-Witz-Levine-AM-16 dan_witz_1 dan witz 2 dan witz 1

Publicado el por — Deja un comentario

La controversia sobre el perdido retrato de Da Vinci. Blog de maestroviejo

411063_1305340852p2EULa casa de subastas Christie pudo haber vendido una pieza incunable de arte, de Leonardo da Vinci, por poco más de 21.000 dólares, según los investigadores, que afirman haber identificado el origen de la pintura tras un acalorado debate.

La pintura parece provenir de un libro de 500 años de antigüedad, que cuenta la historia de la familia del duque de Milán. El historiador de arte, Martin Kemp, de la Universidad de Oxford, cree que la misteriosa pintura, aparecida en 1998, es un retrato de la hija del duque, creada por da Vinci para su libro de boda.

“Supimos que se trataba de un libro debido a las costuras en un margen donde se puede ver el corte de cuchillo. Encontrarlo ha sido milagroso, realmente me sorprendió”, comentaba. “Cuando se hace una investigación histórica de objetos con esta antigüedad, no se suele completar de esta manera.”

En 2010, Kemp fue el primero en sugerir que da Vinci pintó el retrato, y desde entonces, los historiadores del arte han debatido hasta la saciedad sobre su origen y su pintor. De hecho, varios historiadores de arte han declarado que no harían comentarios sobre la pieza o no contestaron a los mensajes de contacto. Un examen más de cerca de la obra de arte por una galería de Viena, llevó a su director a decir que no era un Da Vinci, sin dejarse influenciar por las nuevas pruebas.

Del almacén a la fuente

El retrato fue enviado a Christie en 1998, donde los historiadores del arte sugirieron que la pieza era de unos artistas alemanes del siglo XIX, llamados los nazarenos, que imitaban el estilo renacentista (Esto fue desmentido posteriormente en una datación por radiocarbono, que estima la creación del retrato entre 1440 y 1650). Fue titulado “Head of a Young Girl in Profile to the Left in Renaissance Dress”.

Kemp no estaba convencido y empezó a buscar en la historia de la pintura. Cuando vio por primera vez el retrato en un archivo adjunto a un correo electrónico en 2008, reconoció de inmediato el estilo zurdo de Da Vinci. Fue a verlo en Zurich, y junto con su co-autor, Pascal Cotte, ingeniero y fundador de análisis del arte, pusieron en marcha la tecnología Lumiere  para examinarlo en París.

Kemp y Cotte, publicaron entonces “La Bella Principessa: La historia de una nueva obra maestra de Leonardo da Vinci” [La Bella Principessa: The Story of the New Masterpiece by Leonardo da Vinci] (Hb Hodder, 2010), afirmando que el trabajo podría ser un Da Vinci, una afirmación con la que muchos respetados historiadores han discrepado, algunos con cierta vehemencia.

El retrato está hecho sobre vitela [papel pergamino], una piel preparada de manera especial y normalmente utilizada en escritura e impresión. Ningún trabajo de Da Vinci se había encontrado antes en este tipo de papel, a pesar de que fue utilizado con frecuencia en los libros. Los investigadores creen que el retrato estaba en un libro, ya que era visibles tres costuras en el margen izquierdo del retrato. También que fue hecho con tizas y tinta, no de pintura. Sigue leyendo La controversia sobre el perdido retrato de Da Vinci. Blog de maestroviejo

Publicado el por — Deja un comentario

Life Drawing at The Book Club por Wriggles & Robins

Life Drawing at The Book Club

Life Drawing at The Book Club from Wriggles & Robins on Vimeo.

Every easel in a life drawing class captures a different angle of the model.
We created the film by editing each drawing with the next, moving around the circle of easels.
To find out more about life drawing classes at The Book Club visit wearetbc.com
Shot, produced and directed by Wriggles & Robins
Graded by Aline Sinquin at MPC
Sound Mix by 750mph.com
Music by davidkamp.de
Life model: Clelia Rinaldi